Po 8 latach Johnny Depp powraca do Hollywood! Najnowszy zwiastun jego filmu zachwycił fanów i rozpalił wyobraźnię
Są powroty, które wywołują więcej pytań niż odpowiedzi. Jedno nazwisko, kultowa historia i pierwsze zapowiedzi wystarczyły, by wokół „Ebenezera” zrobiło się naprawdę głośno. Wszystko wskazuje na to, że tej jesieni widzów czeka jedna z najbardziej wyczekiwanych premier w Hollywood.
Niektóre historie nigdy się nie starzeją, zmienia się jedynie sposób ich opowiadania. Tym razem twórcy sięgają po jedną z najbardziej rozpoznawalnych świątecznych opowieści w historii literatury, nadając jej zupełnie nowy wymiar. Do tego dochodzi nazwisko, które od lat elektryzuje Hollywood i widzów na całym świecie. Pierwsze materiały z filmu „Ebenezer” pokazują, że nadchodząca produkcja już teraz ma wszystko, by stać się jedną z najgłośniej komentowanych premier nadchodzących miesięcy. „Ebenezer” – pierwszy zwiastun zapowiada mroczną reinterpretację klasyki Dickensa Po miesiącach oczekiwania Paramount Pictures pokazało pierwszy zwiastun „Ebenezer: A Christmas Carol”, nowej ekranizacji „Opowieści wigilijnej” Charlesa Dickensa. Za reżyserię odpowiada Ti West, twórca cenionych horrorów „X”, „Pearl” i „MaXXXine”, który tym razem przenosi swój charakterystyczny styl do świata literackiej klasyki. Zamiast tradycyjnej świątecznej opowieści widzowie otrzymają gotycką historię o duchach, winie i odkupieniu, utrzymaną w mrocznej, niepokojącej estetyce. Pierwszy zwiastun pokazuje skute śniegiem ulice XIX-wiecznego Londynu, nawiedzane przez nadprzyrodzone siły. Scrooge zostaje zmuszony do konfrontacji z duchami przeszłości, teraźniejszości i przyszłości, a całość bardziej przypomina horror psychologiczny niż klasyczne kino świąteczne. To świadome odejście od familijnego tonu większości wcześniejszych adaptacji, Ti West wykorzystuje historię Dickensa jako punkt wyjścia do własnej, znacznie bardziej mrocznej interpretacji. Zobacz też: Zaskoczenie dla fanów słynnej komedii z lat 2000. Jennifer Garner i Judy Greer powracają na plan kultowego remakeu Johnny Depp wraca do Hollywood Największym wydarzeniem związanym z „Ebenezerem” pozostaje jednak powrót Johnny'ego Deppa do hollywoodzkiego kina. Film jest jego pierwszą dużą produkcją studyjną od ośmiu lat i zarazem symbolicznym powrotem do pierwszej ligi amerykańskiej kinematografii. Aktor wciela się w Ebenezera Scrooge'a, przechodząc kolejną spektakularną metamorfozę, siwe bokobrody, charakterystyczny cylinder, ciężki płaszcz i zniszczona twarz sprawiają, że momentami trudno go rozpoznać. Promocja filmu rozpoczęła się z rozmachem podczas San Diego Comic-Con, gdzie Depp niespodziewanie pojawił się na scenie w pełnej charakteryzacji Scrooge'a, nie wychodząc z roli nawet podczas rozmów z publicznością. Chwilę później do sieci trafił pierwszy zwiastun, który natychmiast stał się jednym z najgłośniej komentowanych materiałów promocyjnych wydarzenia. Dla wielu widzów to nie tylko zapowiedź nowego filmu, ale również symboliczny powrót aktora do wielkobudżetowych hollywoodzkich produkcji. Ti West stawia na gwiazdorską obsadę Obok Deppa na ekranie pojawi się imponująca obsada. W filmie występują między innymi Andrea Riseborough, Ian McKellen, Rupert Grint, Daisy Ridley, Sam Claflin, Tramell Tillman, Charlie Murphy, Arthur Conti, Ellie Bamber oraz Henry Lloyd-Hughes. Za scenariusz odpowiada Nathaniel Halpern, a producentką filmu jest Emma Watts. Twórcy zapowiadają autorskie spojrzenie na jedną z najbardziej znanych historii w literaturze, zachowując jej motyw przewodni, ale nadając całości znacznie bardziej gotycki charakter. View oEmbed on the source website Pierwszy zwiastun sugeruje widowisko pełne mrocznej atmosfery, efektownej scenografii i psychologicznego napięcia. W materiałach promocyjnych Scrooge wypowiada swoje słynne „Humbug”, jednocześnie mierząc się z przerażającymi zjawami oraz konsekwencjami własnych decyzji. „Ebenezer: A Christmas Carol” trafi do kin 13 listopada 2026 roku, a już dziś zapowiada się na jedną z najgłośniejszych premier jesieni, zarówno za sprawą nowej wizji Ti Westa, jak i długo wyczekiwanego powrotu Johnny'ego Deppa do Hollywood. Zobacz też: Tegoroczny laureat Złotej Palmy kręci film w... Gdańsku! To nie jedyny polski akcent w najnowszej produkcji słynnego reżysera
Wychowała się wśród mormonów, dziś wbrew rodzicom gra w filmach grozy. Sophie Thatcher w horrorze „Jej piekło” chwalą wszyscy
24 lipca na ekrany polskich kin trafi film „Jej piekło” wyreżyserowany przez Nicolasa Windinga Refna. To wizjonerski thriller psychologiczny osadzony w świecie, w którym przepych, rozkosz i bogactwo nie zagłuszą lęku przed nieuniknionym. Jedną z głównych ról wciela się niespełna 26-letnia Sophie Thatcher, która debiutowała przed kamerą jako 16-latka w serialu „Chicago P.D.” Jej życie jest równie barwne jak postaci, w które się wciela.
Niezwykła intryga, wizualna maestria i poruszające aktorstwo składają się na obraz, który nikogo nie pozostawi obojętnym. Tak można opisać thriller psychologiczny „Jej piekło” Nicolasa Windinga Refna, który od piątku 24 lipca można oglądać na ekranach polskich kin. Warto się wybrać na ten film z wielu powodów. Jednym z nich jest 26-letnia Sophie Thatcher, która wciela się w postać Elle. Co wiemy o aktorce, która karierę zaczęła jako 16-latka? Córka mormonów, która zapragnęła podbić Hollywood Sophie Thatcher przyszła na świat 18 października 2000 roku w Chicago, w dzielnicy Hyde Park, a dorastała w pobliżu Evanston w Illinois. Pochodzi z rodziny mormonów i jako dziecko śpiewała w chórze kościelnym, w którym jej matka grała na pianinie. Przyszła gwiazda „Jej piekła” ma troje rodzeństwa: siostrę bliźniaczkę Ellie, która zajmuje się sztukami wizualnymi, starszą siostrą Emmę oraz brata Alexandra. Jej rodzice rozwiedli się, gdy miała 14 lat. Sophie już jako czterolatka amatorsko występowała na deskach teatru muzycznego, gdzie czarowała widzów talentem wokalnym. Jako nastolatka postanowiła pójść swoją drogą, co oznaczało też rozbrat z kościołem mormonów. "To nie jest tak, że miałam jakieś negatywne doświadczenia, które spowodowały, że musiałam wyjść z kościoła, w którym dorastałam. Po prostu ten sposób myślenia i życia nie był dla mnie" – przyznała w jednym z wywiadów. Wbrew woli rodziców postanowiła na poważnie zająć się aktorstwem. Na propozycje nie musiała długo czekać. Początki kariery Dla Sophie Thatcher przełomowy okazał się rok 2016. Wówczas zagrała niewielkie, ale zauważone role w serialu „Chicago P.D.” i w „Egzorcyście”. Dwa lata później zadebiutowała na dużym ekranie – w filmie „Perspektywa”, a rok później w „Człowieku jutra”. Natomiast w 2021 roku dołączyła do obsady popularnego serialu „Yellowjackets”, serialu nominowanym do nagrody Emmy, wystąpiła w dobrze przyjętym thrillerze „Towarzysz”, a także w produkcji „Księgi Boby Fetta”. Lata 2023-2024 to w jej karierze czas horrorów. Fani tego gatunku filmowego mieli okazję zobaczyć ją, m.in. w: „Boogeymanie”, „MaXXXine” i w „Hereticu”, gdzie partnerował jej Hugh Grant. Kobieta wielu talentów zakochana w muzyku Oprócz aktorstwa Sophie Thatcher pasjonuje się muzyką. Lubi eksperymentować z dźwiękami, a w 2024 roku wydała płytę zatytułowaną: „Pivot & Scrape". Natomiast jako czternastolatka napisała swoja pierwsza piosenkę. Oprócz aktorstwa i muzyki, Thatcher od najmłodszych lat pasjonuje się rysunkiem, malarstwem i tworzeniem kolaży. Sophie Thatcher otwarcie przyznaje, że zmaga się z zaburzeniami obsesyjno-kompulsywnymi (OCD) oraz dysmorfofobią. Chociaż Sophie Thatcher niechętnie opowiada o swoim życiu uczuciowym, wiadomo, że jej partnerem życiowym jest muzyk Austin Feinstein. Para spotyka się od 2022 roku; ich znajomość zaczęła się, gdy Feinstein napisał do Thatcher w mediach społecznościowych. Od dwóch lat mieszkają razem w dzielnicy Nichols Canyon w Los Angeles. Film „Jej piekło” trafi do polskich kin 24 lipca. Horror miał oficjalną premierę 18 maja br. w trakcie 79. Międzynarodowego Festiwalu Filmowego w Cannes. Produkcja spotkała się z 12-minutowymi owacjami publiczności. O czym jest film "Jej piekło"? Kiedy futurystyczną metropolię spowija tajemnicza mgła, na wolność wydostaje się śmiercionośna i nieuchwytna istota, z której ręki giną młode kobiety. W tym czasie amerykański żołnierz wyrusza w pełną grozy odyseję, by ocalić swoją córkę z Piekła. Na swojej drodze spotyka młodą kobietę zmagającą się z własnymi demonami, która próbuje odnaleźć zaginionego ojca. W filmie Nicolasa Windinga Refna oprócz Sophie Thatcher zobaczymy również, m.in.: Charlesa Meltona, Kristinę Froseth i Diego Calvę. Dystrybutorem filmu jest Monolith Films. View oEmbed on the source website
Zaskoczenie dla fanów słynnej komedii z lat 2000. Jennifer Garner i Judy Greer powracają na plan kultowego remakeu
Są filmowe historie, do których Hollywood wraca wyjątkowo ostrożnie. Wszystko wskazuje na to, że remake „Dziś 13, jutro 30” właśnie odnalazł sposób, by połączyć nostalgię z nowym otwarciem.
Nie każdy remake otrzymuje błogosławieństwo swojego pierwowzoru. W przypadku nowej wersji „Dziś 13, jutro 30” twórcy postawili na gest, który dla fanów kultowej komedii romantycznej może okazać się ważniejszy niż jakikolwiek zwrot akcji. Jennifer Garner i Judy Greer ponownie spotkają się na planie filmu, wracając do świata, który ponad dwie dekady temu podbił serca widzów. Nostalgia jako świadomy wybór twórców Remake „Dziś 13, jutro 30” od początku budził zainteresowanie przede wszystkim z powodu samego tytułu. Oryginał z 2004 roku zdążył bowiem wyrosnąć na jeden z tych filmów, które z biegiem lat nie tylko nie tracą uroku, ale wręcz zyskują status współczesnych klasyków kina romantycznego. Najnowsze informacje pokazują jednak, że twórcy nowej wersji nie zamierzają traktować tej historii wyłącznie jako rozpoznawalnej marki. Jennifer Garner i Judy Greer, aktorki nierozerwalnie kojarzone z pierwowzorem, pojawią się w remake'u w rolach gościnnych, tworząc symboliczny pomost między dwoma filmowymi pokoleniami. Jeszcze do niedawna Jennifer Garner była oficjalnie związana z projektem wyłącznie jako producentka wykonawcza. Zdjęcia z planu ujawniły jednak coś znacznie ciekawszego, zarówno ona, jak i Judy Greer stanęły przed kamerą obok Emily Bader, która przejmuje główną rolę w nowej odsłonie. Twórcy konsekwentnie nie zdradzają charakteru ich występów, lecz sam fakt obecności obu aktorek nadaje produkcji zupełnie inny ciężar emocjonalny. To gest wobec widzów, którzy przez ponad dwie dekady zdążyli zbudować osobistą relację z bohaterami oryginału. Zobacz też: Reżyser "Heweliusza" doceniony za granicą. Nowy film Jana Holoubka zostanie pokazany na prestiżowym festiwalu Nowe pokolenie bohaterów i produkcja skrywająca tajemnice Za remake odpowiada Netflix, a reżyserię powierzono Brettowi Haleyowi, twórcy cenionemu za kameralne kino obyczajowe i wrażliwość w prowadzeniu bohaterów. Scenariusz przygotowała Hannah Marks, a jego późniejszą wersję dopracowała Flora Greeson. Główne role powierzono Emily Bader i Loganowi Lermanowi, jednak studio wciąż nie ujawnia, czy wcielają się oni w nowe interpretacje Jenny i Matta, czy też opowieść podąży całkowicie odrębną ścieżką fabularną. Równie oszczędnie dawkowane są informacje dotyczące samej historii. Wiadomo jedynie, że w obsadzie znaleźli się także Jessica Alba, Taylor Ortega, Tim Meadows oraz Dan Bucatinsky, a zdjęcia realizowane są między innymi w Santa Monica. Taka strategia komunikacyjna wydaje się świadoma, zamiast zdradzać kolejne elementy fabuły, twórcy budują zainteresowanie wokół atmosfery projektu. Każda nowa fotografia z planu staje się wydarzeniem, a obecność Garner i Greer skutecznie podsyca dyskusję o tym, jaką rolę nostalgia odegra w nowej interpretacji tej historii. Fenomen filmu, którego nie osłabił czas Fenomen „Dziś 13, jutro 30” nigdy nie opierał się wyłącznie na prostym pomyśle fabularnym o trzynastolatce budzącej się w ciele trzydziestoletniej kobiety. Film Gary'ego Winicka zyskał popularność dzięki umiejętnemu połączeniu baśniowej konwencji z opowieścią o dorastaniu, niespełnionych marzeniach i cenie życiowych wyborów. Jennifer Garner stworzyła bohaterkę pełną dziecięcej spontaniczności, Mark Ruffalo wniósł do historii autentyczne ciepło, a Judy Greer zapisała się w pamięci widzów jako jedna z najbardziej charakterystycznych ekranowych rywalek w romantycznych komediach początku XXI wieku. View oEmbed on the source website Właśnie dlatego decyzja o zaproszeniu Garner i Greer do remake'u ma znaczenie wykraczające poza efektowny ukłon w stronę fanów. To świadome przypomnienie, że siła tej historii tkwi nie tylko w jej fabule, lecz przede wszystkim w emocjach, które przez lata pozostały z widzami. W epoce, w której remaki często próbują odciąć się od swoich pierwowzorów, twórcy nowej wersji wybierają inną drogę, zamiast zastępować pamięć, postanawiają uczynić ją integralną częścią filmu. I właśnie dlatego kilka krótkich występów Jennifer Garner i Judy Greer może okazać się jednym z najważniejszych elementów całego przedsięwzięcia. Zobacz też: "Odyseja" będzie kolejnym hitem w jego karierze. Oto 5 najlepszych filmów Nolana, które utorowały mu drogę do sławy
Tegoroczny laureat Złotej Palmy kręci film w... Gdańsku! To nie jedyny polski akcent w najnowszej produkcji słynnego reżysera
Zaledwie kilka tygodni po triumfie na festiwalu w Cannes Cristian Mungiu ponownie skupia na sobie uwagę świata filmu. Tym razem nie za sprawą czerwonego dywanu, lecz planu zdjęciowego w Gdańsku, który na potrzeby jego nowej produkcji na chwilę przenosi się do realiów Europy Wschodniej końca lat 70.
Niektóre miasta potrafią na chwilę zapomnieć, kim są. Wystarczy kilka zmienionych szyldów, odpowiednie światło i kamera, by współczesność ustąpiła miejsca historii. Właśnie taki moment przeżywa dziś Gdańsk, który stał się przestrzenią dla nowego filmu Cristiana Mungiu. Laureat dwóch Złotych Palm ponownie zagląda za żelazną kurtynę, opowiadając historię, w której granice między pamięcią, polityką i codziennym życiem zacierają się z charakterystyczną dla jego kina subtelnością. Reżyser, który ukształtował rumuńską nową falę Cristian Mungiu od dwóch dekad pozostaje jednym z najważniejszych autorów współczesnego kina europejskiego. To właśnie jego „4 miesiące, 3 tygodnie i 2 dni” stały się symbolem rumuńskiej nowej fali, nurtu, który z niezwykłą precyzją i moralną wnikliwością opowiada o społeczeństwie Europy Wschodniej. Reżyser należy dziś do elitarnego grona twórców uhonorowanych dwiema Złotymi Palmami w Cannes. Pierwszą zdobył w 2007 roku za wspomniane „4 miesiące, 3 tygodnie i 2 dni”, drugą w 2026 roku za „Fiord”, opowieść o rumuńskiej rodzinie żyjącej w Norwegii, badającą napięcie między tradycją a współczesnym, liberalnym społeczeństwem. Nowy projekt Mungiu zapowiada powrót do historii Europy Środkowo-Wschodniej. Film „Opowieści Złotego Wieku – Układ Warszawski” osadzony jest pod koniec lat 70. i rozgrywa się w realiach państw należących do bloku wschodniego. Reżyser ponownie sięga po temat pamięci, polityki i codzienności, tym razem przenosząc widzów do świata dawnej Czechosłowacji. Już sam wybór scenerii pokazuje charakterystyczny dla Mungiu sposób pracy, historyczna rekonstrukcja ma służyć nie widowiskowości, lecz wiarygodnemu odtworzeniu atmosfery epoki. Zobacz też: "Odyseja" będzie kolejnym hitem w jego karierze. Oto 5 najlepszych filmów Nolana, które utorowały mu drogę do sławy Gdańsk w roli Czechosłowacji To właśnie Gdańsk stał się jednym z najważniejszych planów zdjęciowych nowej produkcji. Biskupia Górka, dzięki zachowanej historycznej zabudowie, została przekształcona w miasto z dawnej Czechosłowacji. Zdjęcia realizowane są również na Zaspie, w Oliwie oraz na terenach stoczniowych, które swoją architekturą i przemysłowym charakterem wpisują się w wizję świata przedstawionego przez rumuńskiego reżysera. Twórcy konsekwentnie unikają zdradzania, jakie konkretnie miasto odtwarza Gdańsk, podkreślając jedynie, że akcja przenosi widzów do końcówki lat siedemdziesiątych. Obecność ekipy Mungiu to kolejny dowód na rosnącą pozycję Gdańska jako europejskiej lokacji filmowej. Historyczne ulice i zrewitalizowane przestrzenie miasta coraz częściej zastępują na ekranie miejsca z różnych części kontynentu. W przypadku „Opowieści Złotego Wieku – Układ Warszawski” ich autentyczność pozwala stworzyć sugestywną iluzję Europy za żelazną kurtyną, bez konieczności budowania rozbudowanych dekoracji. Miasto nie jest więc jedynie tłem wydarzeń, ale pełnoprawnym elementem filmowej narracji, współtworząc klimat opowieści o rzeczywistości państw Układu Warszawskiego. Międzynarodowa produkcja z polskimi akcentami Nowy film Mungiu powstaje przy udziale polskich partnerów produkcyjnych. W realizację „Opowieści Złotego Wieku – Układ Warszawski” zaangażowana jest polska wytwórnia Kijora Films, która współpracuje z rumuńskim twórcą również przy innych projektach, w tym przy filmie „Incydent na…”. Ta współpraca podkreśla rosnące znaczenie polskiego zaplecza produkcyjnego w międzynarodowych przedsięwzięciach oraz wzmacnia obecność polskich twórców i producentów w europejskim kinie autorskim. View oEmbed on the source website Kulisy realizacji pokazują, że „Opowieści Złotego Wieku – Układ Warszawski” mają być kolejnym ambitnym przedsięwzięciem jednego z najwybitniejszych współczesnych reżyserów. Po sukcesie „Fiordu” Mungiu ponownie zwraca uwagę na historię i doświadczenie Europy, tym razem wykorzystując polskie lokacje do stworzenia filmowej wizji dawnej Czechosłowacji. Gdańsk na kilka tygodni staje się przestrzenią, w której współczesność ustępuje miejsca przeszłości, a europejska historia zyskuje nowy, filmowy wymiar. Jeśli wcześniejsze dokonania rumuńskiego reżysera są zapowiedzią tego, czego można oczekiwać po jego najnowszym projekcie, „Opowieści Złotego Wieku – Układ Warszawski” już dziś należą do najbardziej wyczekiwanych europejskich produkcji nadchodzących miesięcy. Zobacz też: Reżyser "Heweliusza" doceniony za granicą. Nowy film Jana Holoubka zostanie pokazany na prestiżowym festiwalu
Ten meksykański thriller jest numerem 1 na Netflixie. W roli głównej występuje polska aktorka!
Zakazane uczucie, narastające napięcie i polski akcent, który przyciąga uwagę rodzimych widzów. „Pragnienie” nie potrzebowało wiele czasu, by znaleźć się na pierwszym miejscu rankingu Netflixa w Polsce.
Nie każda nowość Netfliksa z miejsca podbija rankingi oglądalności. „Pragnienie” dokonało tego błyskawicznie, zdobywając pierwsze miejsce w TOP 10 w Polsce. Zmysłowy thriller psychologiczny łączy historię zakazanego romansu z narastającym napięciem i moralnymi dylematami, a dla polskich widzów dodatkowym magnesem pozostaje wyraźny polski akcent w obsadzie jednej z najgłośniejszych premier ostatnich dni. Netflix ma nowy fenomen Wśród najchętniej oglądanych filmów na polskim Netflixie minionego tygodnia niespodziewanie wybiło się „Pragnienie” („Deseo”), meksykańsko-hiszpański dramat z elementami thrillera psychologicznego w reżyserii Teresy Simone. Produkcja, która zadebiutowała na platformie 17 lipca, błyskawicznie trafiła na szczyt zestawienia TOP 10 w Polsce, potwierdzając, że historie o namiętności, ryzyku i moralnych wyborach wciąż przyciągają szeroką publiczność. Film opowiada o Lucero, odnoszącej sukcesy prawniczce, która wdaje się w romans z trenerem pływania swojej córki. To, co początkowo wydaje się chwilowym zauroczeniem, szybko wymyka się spod kontroli i prowadzi do wydarzeń zagrażających zarówno jej rodzinie, jak i zawodowej pozycji. Za scenariusz odpowiadają Giulia Cardamone i Vanessa Miklos, natomiast produkcja powstała we współpracy Hiszpanii i Meksyku dla Netflixa. W obsadzie znaleźli się także José María Yazpik, Óscar Casas, Leonardo Ortizgris, Pilar Pascual i Giovanni Florido. Zdjęcia realizowano w Meksyku, a twórcy postawili na połączenie emocjonalnego dramatu z atmosferą psychologicznego thrillera, w którym napięcie narasta wraz z kolejnymi decyzjami bohaterów. Zobacz też: "Odyseja" będzie kolejnym hitem w jego karierze. Oto 5 najlepszych filmów Nolana, które utorowały mu drogę do sławy Polska aktorka z sukcesem na światowej platformie Jednym z najczęściej komentowanych elementów filmu jest występ Ludwiki Palety, która wciela się w główną bohaterkę Lucero. Aktorka od lat związana jest z meksykańskim kinem i telewizją, jednak jej nazwisko od dawna budzi zainteresowanie również w Polsce. Urodziła się w Krakowie, a jako dziecko wyjechała z rodziną do Meksyku, gdzie rozpoczęła karierę aktorską i stała się jedną z najbardziej rozpoznawalnych gwiazd tamtejszych produkcji. Sukces „Pragnienia” sprawił, że Paleta ponownie znalazła się w centrum uwagi także polskich mediów. W filmie tworzy portret kobiety, która z pozoru prowadzi idealne życie, lecz stopniowo ulega fascynacji prowadzącej do coraz trudniejszych wyborów. To właśnie na jej postaci opiera się cała konstrukcja opowieści, od intymnego dramatu rodzinnego po pełen napięcia thriller psychologiczny. Partnerują jej José María Yazpik jako Fernando oraz Óscar Casas jako Matías, młody trener pływania, którego pojawienie się uruchamia lawinę wydarzeń. Między melodramatem a thrillerem psychologicznym Twórcy świadomie wykorzystują motyw zakazanego uczucia jako punkt wyjścia do historii o przekraczaniu granic i konsekwencjach pozornie niewinnych decyzji. Zamiast skupiać się wyłącznie na romansie, film rozwija opowieść w kierunku psychologicznego napięcia, pokazując, jak jedno wydarzenie wpływa na relacje rodzinne, karierę zawodową i poczucie bezpieczeństwa głównej bohaterki. To właśnie ta mieszanka dramatu obyczajowego i thrillera sprawia, że „Pragnienie” wyróżnia się wśród nowych premier platformy. View oEmbed on the source website Popularność produkcji pokazuje również, jak dużym zainteresowaniem cieszą się międzynarodowe tytuły Netflixa z wyrazistymi bohaterami i silnym kobiecym protagonizmem. Niezależnie od podzielonych opinii widzów i krytyków, „Pragnienie” stało się jedną z najgłośniejszych premier lipca. Dla polskich odbiorców dodatkowym magnesem pozostaje obecność Ludwiki Palety, aktorki o polskich korzeniach, która po raz kolejny udowadnia, że potrafi z powodzeniem odnaleźć się w produkcjach o globalnym zasięgu. Dzięki połączeniu emocjonalnej historii, międzynarodowej obsady i atmosfery narastającego zagrożenia film szybko zdobył czołową pozycję w rankingu oglądalności Netflixa w Polsce i stał się jedną z najczęściej komentowanych nowości platformy. Zobacz też: Ten zwiastun rozgrzał fanów do czerwoności. W nowych Avengersach występuje cała plejada Hollywood
Reżyser "Heweliusza" doceniony za granicą. Nowy film Jana Holoubka zostanie pokazany na prestiżowym festiwalu
Są filmy, które swoją historię zaczynają jeszcze przed premierą. „Dziki, dziki wschód” Jana Holoubka wyrusza w tę drogę od Międzynarodowego Festiwalu Filmowego w Toronto, gdzie po raz pierwszy spotka się z międzynarodową publicznością.
Nie każdy polski film rozpoczyna swoją drogę od jednego z najważniejszych festiwali świata. „Dziki, dziki wschód” Jana Holoubka jeszcze przed krajową premierą został zaproszony do konkursu Platform podczas Międzynarodowego Festiwalu Filmowego w Toronto. Wojenny thriller z gwiazdorską obsadą i tajemnicą sięgającą okupowanej Polski ma szansę zwrócić uwagę międzynarodowej publiczności jeszcze przed spotkaniem z widzami w polskich kinach. Światowa premiera w konkursie Platform Nowy film Jana Holoubka „Dziki, dziki wschód” został zakwalifikowany do konkursu Platform podczas Międzynarodowego Festiwalu Filmowego w Toronto. To właśnie tam odbędzie się światowa premiera produkcji, która znalazła się w jedynym konkursowym programie festiwalu poświęconym twórcom wyróżniającym się autorskim językiem filmowym. Uczestnicy sekcji rywalizują o nagrodę Platform Award, przyznawaną przez międzynarodowe jury. Dla Holoubka, autora takich produkcji jak „25 lat niewinności. Sprawa Tomka Komendy”, „Doppelgänger. Sobowtór”, „Wielka woda” czy „Heweliusz”, obecność w Toronto stanowi kolejny ważny etap międzynarodowej obecności jego twórczości. Jeszcze przed polską premierą film zwrócił uwagę jednego z najważniejszych festiwali świata, a po pokazie w Kanadzie zostanie również zaprezentowany w Konkursie Głównym 51. Festiwalu Polskich Filmów Fabularnych w Gdyni, gdzie powalczy o Złote Lwy. Zobacz też: "Odyseja" będzie kolejnym hitem w jego karierze. Oto 5 najlepszych filmów Nolana, które utorowały mu drogę do sławy Wojenny thriller i obsada pełna znanych nazwisk „Dziki, dziki wschód” to mroczny thriller osadzony zimą 1943 roku na wschodzie okupowanej Polski. Do niewielkiego Małego Zalesia przybywa Wolff, tajemniczy urzędnik z Berlina, którego obecność burzy kruchą równowagę panującą wśród mieszkańców. W centrum opowieści znajdują się sekrety, dramatyczne wybory oraz śledztwo prowadzące do zaginięcia żydowskiego prawnika i pogłosek o ukrytym złocie, stopniowo zacierających granicę między prawdą a kłamstwem. Za scenariusz odpowiada Aleksandra Takuska, natomiast w obsadzie znaleźli się m.in. Itay Tiran, Robert Więckiewicz, Joanna Kulig, Piotr Trojan, Janusz Chabior, Jan Bülow, Jacek Beler, Oleksandr Yatsentyuk, Jacek Koman oraz Magdalena Różczka. Film rozwija historię opartą na napięciu, niejednoznaczności moralnej i atmosferze wojennego zagrożenia, pozostając wiernym autorskiej wrażliwości reżysera. Produkcja z międzynarodowymi ambicjami Realizacja „Dzikiego, dzikiego wschodu” zgromadziła zespół twórców odpowiedzialnych za najważniejsze elementy filmowej oprawy. Autorem zdjęć jest Bartłomiej Kaczmarek, scenografię przygotował Marek Warszewski, kostiumy zaprojektowała Weronika Orlińska, muzykę skomponował Jan Komar, a montaż powierzono Rafałowi Listopadowi. Za produkcję odpowiadają m.in. Ewa Puszczyńska, Klaudia Śmieja-Rostworowska i Bogna Szewczyk, a dystrybucją zajmuje się Warner Bros. Polska. Udział w konkursie Platform już przed premierą kinową stanowi jedno z najważniejszych międzynarodowych wyróżnień dla filmu. Toronto od lat prezentuje dzieła twórców poszukujących własnego języka filmowego, dlatego obecność „Dzikiego, dzikiego wschodu” w tym gronie podkreśla rangę projektu. Jesienią 2026 roku produkcja trafi do polskich kin, poprzedzona festiwalową drogą, która rozpocznie się właśnie w Kanadzie i może stać się jednym z najważniejszych wydarzeń dla polskiego kina w nadchodzącym sezonie. Zobacz też: Ten zwiastun rozgrzał fanów do czerwoności. W nowych Avengersach występuje cała plejada Hollywood
"Odyseja" będzie kolejnym hitem w jego karierze. Oto 5 najlepszych filmów Nolana, które utorowały mu drogę do sławy
Każda wielka kariera ma swój punkt zwrotny. W przypadku Christophera Nolana było ich pięć, i każdy z nich na zawsze odmienił współczesne kino.
Christopher Nolan od ponad dwóch dekad konsekwentnie redefiniuje kino autorskie w obrębie wielkobudżetowych produkcji. Jego filmy łączą intelektualną ambicję z widowiskowością, a eksperymenty narracyjne idą w parze z emocjonalną głębią bohaterów. Od skromnego debiutu nakręconego niemal bez budżetu po oscarowe widowiska historyczne – każdy etap jego kariery wyznaczał nowy kierunek zarówno dla samego twórcy, jak i współczesnego kina. Oto pięć produkcji, które najlepiej pokazują drogę Nolana od obiecującego debiutanta do jednego z najwybitniejszych reżyserów XXI wieku. 1. „Śledząc” (1998) Debiutancki pełnometrażowy film Christophera Nolana powstał przy minimalnym budżecie, z udziałem nieprofesjonalnej ekipy i aktorów. W głównych rolach wystąpili Jeremy Theobald, Alex Haw oraz Lucy Russell. Historia koncentruje się na młodym pisarzu, który z fascynacji zaczyna śledzić przypadkowych ludzi na ulicach Londynu. Gdy poznaje charyzmatycznego włamywacza, niewinna obsesja przeradza się w niebezpieczną grę manipulacji i tożsamości. Już tutaj Nolan ujawnia swoje największe artystyczne atuty, nielinearną narrację, precyzyjne budowanie napięcia oraz zamiłowanie do psychologicznych zagadek. Czarno-biała estetyka i oszczędna forma podkreślają noir'owy klimat opowieści. „Śledząc” było szeroko doceniane na festiwalach i zwróciło uwagę branży na niezwykle utalentowanego reżysera. To właśnie ten kameralny thriller stał się fundamentem kariery Nolana i zapowiedzią jego charakterystycznego stylu. 2. „Memento” (2000) Dwa lata później Christopher Nolan udowodnił, że jego debiut nie był przypadkiem. „Memento”, oparte na opowiadaniu autorstwa Jonathana Nolana, z Guyem Pearce'em, Carrie-Anne Moss i Joe Pantoliano w rolach głównych, stało się jednym z najważniejszych thrillerów początku XXI wieku. Bohater cierpi na zanik pamięci krótkotrwałej i próbuje odnaleźć mordercę swojej żony, zapisując kolejne wskazówki na zdjęciach, kartkach i własnym ciele. Historia została opowiedziana od końca do początku, dzięki czemu widz doświadcza dezorientacji podobnej do tej, której doświadcza protagonista. Nolan stworzył film niezwykle wymagający intelektualnie, ale jednocześnie emocjonalnie angażujący. „Memento” otrzymało dwie nominacje do Oscara, za scenariusz adaptowany i montaż, a także liczne wyróżnienia krytyków. Sukces filmu otworzył reżyserowi drzwi do Hollywood i ugruntował jego reputację jako twórcy odważnie eksperymentującego z narracją. Zobacz też: Jedno zdarzenie na zawsze zmieniło życie Sylvestra Stallone. Jest pierwszy zwiastun filmu o początkach serii "Rocky" 3. „Mroczny Rycerz” ( 2008) „Mroczny Rycerz” nie tylko zrewolucjonizował kino superbohaterskie, lecz także uczynił Christophera Nolana jednym z najważniejszych reżyserów współczesnego kina popularnego. W obsadzie znaleźli się Christian Bale jako Bruce Wayne, Heath Ledger jako Joker, Aaron Eckhart, Gary Oldman, Michael Caine oraz Morgan Freeman. Film opowiada o starciu Batmana z anarchicznym Jokerem, którego działania wystawiają na próbę moralne fundamenty Gotham. Nolan połączył widowiskowe sceny akcji z filozoficzną refleksją nad chaosem, odpowiedzialnością i naturą dobra. Realistyczna estetyka oraz wykorzystanie kamer IMAX nadały produkcji wyjątkową skalę. Największe uznanie zdobyła kreacja Heatha Ledgera, nagrodzona pośmiertnym Oscarem dla najlepszego aktora drugoplanowego. Sam film otrzymał osiem nominacji do Oscara i dwie statuetki. Był momentem przełomowym, który pokazał, że kino komiksowe może osiągnąć poziom artystyczny dotąd zarezerwowany dla najbardziej prestiżowych dramatów. 4. „Interstellar” (2014) „Interstellar” stanowi jedno z najbardziej ambitnych przedsięwzięć w dorobku Christophera Nolana. W głównych rolach wystąpili Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Jessica Chastain, Mackenzie Foy, Michael Caine oraz Timothee Chalamet. Akcja rozgrywa się w niedalekiej przyszłości, gdy Ziemia staje się coraz mniej przyjazna dla ludzkości. Były pilot NASA wyrusza wraz z ekspedycją przez tunel czasoprzestrzenny, aby odnaleźć nowy dom dla człowieka. Film imponuje rozmachem wizualnym i naukową wiarygodnością, powstałą we współpracy z fizykiem Kipem Thornem. Jednocześnie pozostaje głęboko emocjonalną opowieścią o rodzinie, czasie i poświęceniu. Charakterystyczne dla Nolana połączenie spektakularnych efektów praktycznych z filozoficznymi pytaniami osiąga tutaj pełną dojrzałość. Produkcja zdobyła Oscara za najlepsze efekty specjalne oraz liczne nominacje techniczne. „Interstellar” ugruntował pozycję reżysera jako twórcy potrafiącego łączyć widowisko science fiction z autorskim, refleksyjnym kinem. Zobacz też: Te filmy powalczą o Złote Lwy. Kinowe hity i głośne debiuty na w konkursie głównym festiwalu w Gdyni 5. „Oppenheimer” (2023) „Oppenheimer” jest kulminacją wieloletniej drogi twórczej Christophera Nolana i jednocześnie jego największym triumfem artystycznym. W obsadzie znaleźli się Cillian Murphy, Emily Blunt, Robert Downey Jr., Matt Damon, Florence Pugh oraz Kenneth Branagh. Film przedstawia losy J. Roberta Oppenheimera, fizyka kierującego Projektem Manhattan, ukazując zarówno proces powstawania bomby atomowej, jak i moralne konsekwencje odkrycia, które zmieniło historię świata. Nolan po raz kolejny zastosował wielowarstwową narrację i dynamiczny montaż, łącząc intymny dramat psychologiczny z monumentalnym widowiskiem historycznym. Zdjęcia w formacie IMAX oraz praktyczne efekty specjalne podkreślają realizm opowieści. Produkcja zdobyła siedem Oscarów, w tym za najlepszy film, reżyserię dla Christophera Nolana, pierwszoplanową rolę Cilliana Murphy'ego oraz drugoplanową rolę Roberta Downeya Jr. „Oppenheimer” przypieczętował pozycję Nolana jako jednego z najwybitniejszych reżyserów swojego pokolenia i potwierdził, że kino autorskie może triumfować również na największych światowych galach filmowych.
Ten zwiastun rozgrzał fanów do czerwoności. W nowych Avengersach występuje cała plejada Hollywood
Marvel odkrył pierwsze karty. Zwiastun „Avengers: Doomsday” zapowiada widowisko pełne zaskakujących powrotów, hollywoodzkich gwiazd i starcia, które może odmienić przyszłość całego MCU.
Pełny zwiastun „Avengers: Doomsday” wreszcie trafił do sieci i natychmiast rozpalił wyobraźnię fanów Marvela na całym świecie. Powrót Roberta Downeya Jr. w zaskakującej roli Doctor Dooma, spotkanie bohaterów Avengers, X-Menów i Fantastycznej Czwórki oraz zapowiedź widowiska o bezprecedensowej skali sprawiają, że najnowsza produkcja Marvel Studios już teraz wyrasta na jedno z najbardziej wyczekiwanych wydarzeń filmowych 2026 roku. Zwiastun otwiera nowy rozdział Marvela Po wielu miesiącach spekulacji Marvel Studios zaprezentowało pierwszy pełny zwiastun „Avengers: Doomsday”, filmu, który ma wyznaczyć nowy etap w historii Kinowego Uniwersum Marvela. Materiał błyskawicznie zwrócił uwagę rozmachem oraz atmosferą nieuchronnej konfrontacji, sygnalizując wydarzenia o skali porównywalnej z „Avengers: Wojna bez granic” i „Avengers: Koniec gry”. Za kamerą ponownie stanęli Anthony i Joe Russo, a scenariusz przygotował Stephen McFeely, twórcy odpowiedzialni za największe sukcesy serii. Największym zaskoczeniem zwiastuna pozostaje Robert Downey Jr., który wraca do Marvela w zupełnie nowej roli. Aktor wciela się w Doctor Dooma, jednego z najbardziej rozpoznawalnych przeciwników komiksowego uniwersum. Zwiastun zapowiada jego starcie z najpotężniejszymi bohaterami, a finałowa scena z pojawieniem się Steve'a Rogersa granego przez Chrisa Evansa stała się jednym z najgłośniej komentowanych momentów po premierze materiału promocyjnego. Zobacz też: Te filmy powalczą o Złote Lwy. Kinowe hity i głośne debiuty na w konkursie głównym festiwalu w Gdyni Plejada hollywoodzkich gwiazd na jednym ekranie „Avengers: Doomsday” imponuje nie tylko rozmachem produkcji, lecz także obsadą, która łączy kilka pokoleń gwiazd kina superbohaterskiego. Do swoich ról powracają między innymi Chris Hemsworth jako Thor, Anthony Mackie jako Kaptain Ameryka, Paul Rudd, Letitia Wright, Sebastian Stan, Tom Hiddleston i Florence Pugh. Jednocześnie film otwiera drzwi dla bohaterów „Fantastycznej Czwórki”, których grają Pedro Pascal, Vanessa Kirby, Joseph Quinn i Ebon Moss-Bachrach. Jeszcze większe emocje budzi obecność postaci znanych z filmów o X-Menach. W zwiastunie pojawiają się między innymi Patrick Stewart i Ian McKellen, co potwierdza, że produkcja połączy bohaterów wywodzących się z różnych części komiksowego świata. Tak szeroka obsada sprawia, że „Avengers: Doomsday” zapowiada się jako jedno z najbardziej ambitnych przedsięwzięć w historii Marvel Studios, stawiające na widowiskowe spotkanie ikon współczesnego kina. Wielkie oczekiwania i droga do premiery Pierwszy zwiastun sugeruje historię obejmującą wiele światów i bohaterów, jednak twórcy świadomie nie zdradzają najważniejszych zwrotów akcji. Centralną postacią opowieści ma być Doctor Doom, którego działania doprowadzą do zjednoczenia różnych drużyn i bohaterów w obliczu zagrożenia wykraczającego poza dotychczasowe konflikty MCU. Film ma jednocześnie przygotować grunt pod kolejną odsłonę sagi, „Avengers: Secret Wars”. View oEmbed on the source website Premiera „Avengers: Doomsday” została wyznaczona na 18 grudnia 2026 roku, a wraz z publikacją zwiastuna rozpoczęła się oficjalna kampania promocyjna produkcji. Powrót braci Russo, gwiazdorska obsada oraz wprowadzenie Doctor Dooma do centrum wydarzeń sprawiają, że film już teraz jest postrzegany jako jedno z najważniejszych kinowych wydarzeń roku. Marvel wyraźnie stawia na połączenie nostalgii, spektakularnego widowiska i nowych otwarć, próbując ponownie zgromadzić na ekranie bohaterów, którzy przez lata budowali fenomen tego filmowego uniwersum. Zobacz też: Jedno zdarzenie na zawsze zmieniło życie Sylvestra Stallone. Jest pierwszy zwiastun filmu o początkach serii "Rocky"
Jedno zdarzenie na zawsze zmieniło życie Sylvestra Stallone. Jest pierwszy zwiastun filmu o początkach serii "Rocky"
Zanim świat poznał Rocky'ego Balboę, rozegrała się zupełnie inna walka. „I Play Rocky” zagląda za kulisy wydarzeń, które na zawsze odmieniły losy Sylvestra Stallone'a i doprowadziły do powstania jednego z najbardziej kultowych filmów w historii kina.
Nie każda legenda rodzi się na planie filmowym. Czasem najważniejsza walka rozgrywa się jeszcze przed pierwszym klapsem, w gabinetach producentów, podczas niekończących się castingów i w chwilach zwątpienia. „I Play Rocky” zabiera widzów do momentu, w którym Sylvester Stallone nie był jeszcze ikoną kina, lecz aktorem gotowym zaryzykować wszystko, by samemu zagrać bohatera, którego stworzył. To opowieść o determinacji, ambicji i narodzinach jednego z największych fenomenów w historii Hollywood. Film o narodzinach legendy W historii kina niewiele opowieści równie mocno splata rzeczywistość z fikcją jak losy Sylvestra Stallone’a i powstanie pierwszego „Rocky’ego”. Właśnie ten moment staje się osią filmu „I Play Rocky”, biograficznego dramatu w reżyserii zdobywcy Oscara Petera Farrelly’ego, nakręconego na podstawie scenariusza Petera Gamble’a. Produkcja Amazon MGM Studios nie opowiada kolejnej wersji znanej historii boksera z Filadelfii, lecz zagląda za kulisy powstawania filmu z 1976 roku i pokazuje walkę, która rozegrała się jeszcze przed wejściem kamer na plan. Centralną postacią jest Anthony Ippolito, wcielający się w młodego Sylvestra Stallone’a. Aktor, wcześniej zauważony za rolę Ala Pacino w serialu „The Offer”, ma oddać nie tylko charakterystyczny sposób mówienia i gestykulację przyszłej gwiazdy, ale przede wszystkim determinację człowieka przekonanego, że nie powinien jedynie napisać „Rocky’ego”, musi również go zagrać. Obok niego pojawiają się AnnaSophia Robb jako Sasha Czack, Stephan James jako Carl Weathers, Matt Dillon jako Frank Stallone Sr., a także Toby Kebbell, P.J. Byrne, Tracy Letts i Jay Duplass. Obsada odtwarza osoby, które odegrały kluczową rolę w narodzinach jednego z najważniejszych filmów sportowych w historii. Zobacz też: Na premierę tego filmu czeka cała Polska. Nowy zwiastun "Lalki" nie pozostawia złudzeń - to będzie widowisko na miarę Hollywood Zwiastun, który stawia na emocje Fabuła „I Play Rocky” opiera się na autentycznych wydarzeniach. Film pokazuje Stallone’a jako nieznanego aktora i scenarzystę, który wielokrotnie słyszy odmowę, ale nie zgadza się sprzedać scenariusza, jeśli nie będzie mógł sam zagrać głównej roli. To właśnie ta decyzja staje się osią całej narracji, stawiając na opowieść o uporze, ryzyku i wierze we własną wizję. Z perspektywy dzisiejszego widza łatwo zapomnieć, że sukces „Rocky’ego” nie był oczywistością, lecz efektem serii odważnych wyborów podejmowanych wbrew logice hollywoodzkiego systemu. View oEmbed on the source website Pierwszy zwiastun wyraźnie podkreśla ten motyw. Zamiast skupiać się na bokserskich pojedynkach, prowadzi widza przez castingi, negocjacje i kolejne rozczarowania, budując napięcie wokół walki o możliwość zagrania własnej postaci. Materiał promocyjny odwołuje się do ducha klasycznego „Rocky’ego”, jednocześnie rekonstruując realia Hollywood połowy lat 70. Twórcy nie próbują kopiować oryginału, raczej pokazują narodziny mitu, którego fundamentem była determinacja jednego człowieka. Kulisy produkcji i oczekiwania wobec filmu Sam projekt ma w sobie coś z historii, którą przedstawia. Peter Farrelly, kojarzony przez lata przede wszystkim z komediami, po sukcesie „Green Book” ponownie sięga po kino dramatyczne, tym razem wybierając opowieść o jednym z najbardziej symbolicznych zwycięstw w historii amerykańskiego przemysłu filmowego. Produkcja została zaplanowana na okres poprzedzający 50. rocznicę premiery oryginalnego „Rocky’ego”, co nadaje jej dodatkowy wymiar historyczny i sentymentalny. Pierwsze reakcje po publikacji zwiastuna koncentrują się przede wszystkim na kreacji Anthony’ego Ippolito, którego interpretacja młodego Stallone’a zwróciła uwagę zarówno mediów, jak i widzów. Oczekiwania wobec filmu są wysokie, ponieważ „I Play Rocky” nie próbuje rywalizować z legendą klasyka, zamiast tego chce opowiedzieć historię człowieka, który najpierw musiał wygrać własną walkę, zanim stworzył jednego z najsłynniejszych ekranowych outsiderów. To opowieść o narodzinach filmu, ale przede wszystkim o narodzinach wiary, że największe zwycięstwa zaczynają się od odmowy zaakceptowania porażki. Premiera filmu zapowiedziana jest na listopad tego roku. Zobacz też: Te filmy powalczą o Złote Lwy. Kinowe hity i głośne debiuty na w konkursie głównym festiwalu w Gdyni
Te filmy powalczą o Złote Lwy. Kinowe hity i głośne debiuty na w konkursie głównym festiwalu w Gdyni
Wśród nich są najbardziej wyczekiwane premiery roku, głośne powroty i debiuty, które mogą okazać się największym zaskoczeniem sezonu. Gdynia odkryła karty Konkursu Głównego 51. FPFF.
Od „Ojczyzny” Pawła Pawlikowskiego, która po premierze w Cannes stała się jednym z najgłośniejszych polskich tytułów roku, przez długo wyczekiwaną biografię jednej z największych polskich diw, aż po odważne debiuty i autorskie kino uznanych reżyserów. Konkurs Główny 51. Festiwalu Polskich Filmów Fabularnych w Gdyni zapowiada różnorodną podróż przez współczesne polskie kino, w której obok głośnych nazwisk znalazły się produkcje mające szansę stać się największymi odkryciami sezonu. Gdynia stawia na różnorodność i nowe nazwiska Organizatorzy 51. Festiwalu Polskich Filmów Fabularnych w Gdyni ogłosili skład Konkursu Głównego. O Złote Lwy powalczy 16 pełnometrażowych produkcji, wśród których znalazło się pięć debiutów reżyserskich. Selekcji dokonali dyrektorka artystyczna festiwalu Joanna Łapińska, Zespół Selekcyjny oraz Komitet Organizacyjny zgodnie z regulaminem wydarzenia. Tegoroczny zestaw tytułów łączy twórców od lat obecnych w polskim kinie z reżyserami rozpoczynającymi pełnometrażową drogę, zapowiadając jedną z najbardziej różnorodnych edycji festiwalu ostatnich lat. Jak podkreśla Joanna Łapińska, wybrane filmy tworzą wielogłosową opowieść o współczesności i pokazują różne sposoby patrzenia na rzeczywistość. W konkursie spotykają się odmienne estetyki, gatunki i autorskie wrażliwości, dzięki czemu gdyńska selekcja po raz kolejny staje się przekrojem przez najciekawsze zjawiska we współczesnym polskim kinie. To właśnie Konkurs Główny od lat wyznacza kierunek dyskusji o najważniejszych premierach sezonu i często wskazuje tytuły, które w kolejnych miesiącach będą dominować w rozmowach krytyków, widzów oraz środowiska filmowego. Tegoroczna edycja festiwalu rozpocznie się 21-ego września i potrwa 5 dni, kończąc się ceremonią wręczenia nagród przypadającą na 26 dzień tego samego miesiąca. Zobacz też: Ten film zachwyci fanów Pedro Pascala. Zwiastun “Behemotha!" pokazuje inną twarz ulubieńca Hollywood Oto filmy zakwalifikowane do Konkursu Głównego W Konkursie Głównym 51. Festiwalu Polskich Filmów Fabularnych znalazły się następujące produkcje: „Czas, który nie nadszedł” – reż. Julia Rogowska „Dobry chłopiec” – reż. Jan Komasa „Dziki, dziki wschód” – reż. Jan Holoubek „Exotic” – reż. Sonja Orlewicz-Zakrzewska „Fluidy” – reż. Maria Wider „Hot Spot” – reż. Agnieszka Smoczyńska „Kobieta stanu wolnego” – reż. Eliza Godlewska i Alan Ruczyński „Mniej obcy” – reż. Kristoffer Rus „Nasza rewolucja” – reż. Piotr Domalewski „Ojczyzna” – reż. Paweł Pawlikowski „Pojedynek” – reż. Łukasz Palkowski „Powiedz mi, co czujesz” – reż. Łukasz Ronduda „Przez ścianę” – reż. Maciej Sobieszczański „Syrenka Picassa” – reż. Janusz Zaorski „Violetta Villas” – reż. Karolina Bielawska „Zima pod znakiem wrony” – reż. Kasia Adamik Zobacz też: Ten niepozorny francuski dramat numerem 1 na polskim Netflixie! To mocne kino, które wciąga bez reszty
Na premierę tego filmu czeka cała Polska. Nowy zwiastun "Lalki" nie pozostawia złudzeń - to będzie widowisko na miarę Hollywood
Wystarczyło kilkadziesiąt sekund nowych ujęć, by wokół tej premiery znów zrobiło się głośno. Najnowszy teaser „Lalki” nie odkrywa wszystkich kart, ale skutecznie przypomina, że już niebawem do kin trafi jedna z najbardziej wyczekiwanych polskich produkcji ostatnich lat.
Są filmy, na które czeka się z ciekawością, i są takie, które stają się wydarzeniem jeszcze przed premierą. Nowa ekranizacja „Lalki” bez wątpienia należy do tej drugiej kategorii. Opublikowany właśnie teaser ponownie rozpalił emocje widzów, odsłaniając pierwsze efektowne kadry monumentalnej produkcji. Klasyczna historia Bolesława Prusa wraca na wielki ekran w widowiskowej odsłonie, a wszystko wskazuje na to, że jesienią polskie kino będzie żyło jednym tytułem. Fenomen, który nie przemija Trudno wskazać drugą polską powieść, która od pokoleń wywołuje równie silne emocje jak „Lalka” Bolesława Prusa. To historia obecna w szkolnych lekturach, wielokrotnie analizowana i interpretowana, a jednocześnie wciąż pozostająca niezwykle aktualna. Nic więc dziwnego, że każda nowa ekranizacja staje się wydarzeniem wykraczającym poza świat kina i trafia do szerokiej publiczności. Nowy teaser filmu w reżyserii Macieja Kawalskiego tylko podsycił oczekiwania. Twórcy zapowiadają widowisko zrealizowane z imponującym rozmachem, a najnowsze materiały sugerują produkcję, która stawia na emocje, monumentalne obrazy i wyjątkową dbałość o każdy detal. To właśnie połączenie klasycznej literatury z nowoczesną filmową wrażliwością sprawia, że „Lalka” już teraz należy do najbardziej wyczekiwanych polskich premier. Zobacz też: Ryan Reynolds, Kenneth Branagh i... Marcin Dorociński. Jest pierwszy zwiastun komedii z polskim aktorem! Zwiastun buduje atmosferę wielkiego widowiska Nowa zapowiedź nie zdradza wszystkich tajemnic fabuły, ale skutecznie wprowadza widzów w świat Warszawy końca XIX wieku. Kadry podkreślają skalę przedsięwzięcia, od historycznych wnętrz i scenografii po dopracowane kostiumy oraz eleganckie zdjęcia autorstwa Piotra Sobocińskiego jr. Całość utrzymana jest w nastroju romantycznego dramatu, w którym wielkie uczucia zderzają się z ambicją, społecznymi podziałami i nieuchronnymi zmianami epoki. Szczególną uwagę przyciąga gwiazdorska obsada. W roli Stanisława Wokulskiego zobaczymy Marcina Dorocińskiego, Izabelę Łęcką zagra Kamila Urzędowska, a na wielki ekran po 16 latach powraca Marek Kondrat jako Ignacy Rzecki. W teaserze pojawiają się również kolejne znane twarze polskiego kina, a wśród nich m.in. Agata Kulesza, Maria Dębska, Andrzej Seweryn oraz Krystyna Janda, co tylko wzmacnia wrażenie, że mamy do czynienia z jedną z największych krajowych produkcji ostatnich lat. Emocje rosną przed premierą Film w reżyserii Macieja Kawalskiego ma trafić do kin 30 września i otworzyć jesienny sezon filmowy. Twórcy podkreślają, że nowa „Lalka” została opowiedziana ze współczesną wrażliwością, zachowując jednocześnie ducha powieści Bolesława Prusa. To opowieść o miłości, niespełnieniu, aspiracjach i świecie, który stopniowo odchodzi w przeszłość, ale nadal potrafi poruszać współczesnych odbiorców. View oEmbed on the source website Nowy zwiastun pokazuje, że ambicje produkcji sięgają znacznie dalej niż stworzenie kolejnej ekranizacji szkolnej lektury. Rozmach realizacyjny, plejada gwiazd, historycznie wierna scenografia i filmowy język zapowiadają widowisko, które może połączyć przed ekranem kilka pokoleń widzów. Jeśli pierwsze materiały są zapowiedzią tego, co czeka publiczność jesienią, „Lalka” ma szansę stać się jednym z najgłośniejszych wydarzeń polskiego kina ostatnich lat. Zobacz też: Ten niepozorny francuski dramat numerem 1 na polskim Netflixie! To mocne kino, które wciąga bez reszty
Ten niepozorny francuski dramat numerem 1 na polskim Netflixie! To mocne kino, które wciąga bez reszty
Nie każdy film trafiający do TOP 10 Netflixa zostaje z widzem na długo. „Aż po kres” udowadnia jednak, że czasem największe emocje rodzą się tam, gdzie najtrudniej o jednoznaczne odpowiedzi.
Jeszcze kilka dni temu niewielu słyszało o tym francuskim dramacie, dziś „Aż po kres” znajduje się w ścisłej czołówce najchętniej oglądanych filmów Netflixa w Polsce. Produkcja porusza temat rodzicielskiej miłości wystawionej na najtrudniejszą próbę, łącząc intymny dramat z narastającym napięciem thrillera. To właśnie emocje, mocne kreacje aktorskie i historia, która nie pozwala pozostać obojętnym, sprawiły, że film błyskawicznie podbił serca widzów i wywołał szeroką dyskusję. Film, który trafia prosto w emocje „Aż po kres” błyskawicznie zaznaczył swoją obecność w bibliotece Netflixa, w zaledwie cztery dni trafiając na pierwsze miejsce TOP 10 filmów w Polsce. Ten francuski dramat udowadnia, że współczesna publiczność wciąż poszukuje kina, które nie tylko angażuje fabułą, lecz przede wszystkim zmusza do emocjonalnej konfrontacji z trudnymi pytaniami o granice poświęcenia i odpowiedzialności. Za film odpowiadają Ludovic Colbeau-Justin i Nawell Madani, która jest również współautorką scenariusza oraz odtwórczynią głównej roli. W postać Jady wciela się właśnie Madani, a partnerują jej Guillaume Gouix, Paul Fouré, Nicolas Briançon, Steve Tientcheu i David Salles. Historia koncentruje się na kobiecie, która poświęciła wszystko, by zostać matką. Gdy jej syn ciężko choruje, bohaterka rozpoczyna desperacką walkę o znalezienie dawcy i jego ocalenie, nie cofając się przed kolejnymi dramatycznymi decyzjami. Zobacz też: Ten film zachwyci fanów Pedro Pascala. Zwiastun “Behemotha!" pokazuje inną twarz ulubieńca Hollywood Siła historii i fenomen popularności Sukces „Aż po kres” trudno tłumaczyć wyłącznie algorytmami platformy. Filmowe recenzje zgodnie podkreślają, że to produkcja wymagająca pełnego zaangażowania widza. Nie jest to seans, który można oglądać mimochodem, albowiem emocjonalny ciężar opowieści sprawia, że każda kolejna scena buduje napięcie i prowadzi do coraz trudniejszych moralnych pytań. W centrum pozostaje relacja matki i dziecka, a dramat rodzinny stopniowo przybiera intensywność thrillera. To właśnie taka konstrukcja opowieści sprawiła, że film zaczął błyskawicznie zdobywać popularność w Polsce. Kolejne media zwracały uwagę na jego wysoką pozycję w rankingu Netflixa oraz wyjątkowo silne reakcje odbiorców. W opiniach powtarza się motyw wzruszenia, napięcia i refleksji, jakie pozostawia po sobie historia Jady. Zamiast widowiskowych efektów twórcy stawiają na emocje, konsekwentnie prowadząc widza przez opowieść o rodzicielskiej determinacji i cenie, jaką można zapłacić za próbę uratowania najbliższej osoby. Kulisy produkcji i miejsce w katalogu Netflixa „Aż po kres” jest francuską produkcją studia Moana Films, dystrybuowaną przez Netflix. Film zadebiutował na platformie 8 lipca, a zdjęcia realizowano w Paryżu. Oryginalny tytuł brzmi „Jusqu'au bout”, co dobrze oddaje charakter całej historii, czyli opowieści o człowieku gotowym walczyć do samego końca, niezależnie od konsekwencji. View oEmbed on the source website Popularność filmu w polskim TOP 10 pokazuje, że europejskie dramaty wciąż potrafią przebić się do szerokiej publiczności, jeśli oferują wyrazistych bohaterów i historię opartą na uniwersalnych emocjach. „Aż po kres” nie buduje swojej siły na spektakularności, lecz na konsekwentnym prowadzeniu dramatu rodzinnego, którego osią pozostaje bezwarunkowa miłość rodzica do dziecka. To właśnie połączenie mocnych kreacji aktorskich, kameralnej atmosfery i intensywnego ładunku emocjonalnego sprawiło, że produkcja znalazła się wśród najchętniej oglądanych filmów Netflixa w Polsce i stała się jednym z najgłośniejszych tytułów ostatnich dni. Zobacz też: Tom Cruise jakiego jeszcze nie widzieliśmy! Zwiastun nowego filmu czterokrotnego zdobywcy Oscara wywołał burzę w sieci
Ryan Reynolds, Kenneth Branagh i... Marcin Dorociński. Jest pierwszy zwiastun komedii z polskim aktorem!
Nie każdy zwiastun zdradza zbyt wiele. Są jednak takie, które w zaledwie kilka minut potrafią rozbudzić wyobraźnię i sprawić, że o filmie zaczyna mówić cały świat. Tak właśnie jest z „Mayday”. produkcją, która łączy hollywoodzkie nazwiska, szpiegowską intrygę i mocny polski akcent.
Zimna wojna, gwiazdorska obsada i polski akcent w hollywoodzkiej superprodukcji. Pierwszy zwiastun „Mayday” zapowiada pełne akcji i humoru widowisko z Ryanem Reynoldsem, Kennethem Branaghem oraz Marcinem Dorocińskim. Film już teraz budzi duże oczekiwania. Pierwszy zwiastun „Mayday” Pierwszy zwiastun „Mayday” odsłania film, który świadomie igra z konwencją kina szpiegowskiego, łącząc widowiskową akcję z humorem i opowieścią o nieoczekiwanym sojuszu. Za scenariusz i reżyserię odpowiada duet John Francis Daley i Jonathan Goldstein, twórcy cenieni za umiejętność łączenia gatunków, którzy tym razem przenoszą widzów w realia szczytu zimnej wojny. W centrum historii znajduje się porucznik amerykańskiej marynarki wojennej Troy „Assassin” Kelly, grany przez Ryana Reynoldsa, którego tajna misja kończy się katastrofą nad terytorium Związku Radzieckiego. Zamiast klasycznej opowieści o ucieczce zza linii wroga twórcy proponują historię nieoczywistej relacji z byłym agentem KGB, Nikołajem Ustinowem, w którego wciela się Kenneth Branagh. Oficjalne materiały sugerują, że właśnie kontrast między bohaterami stanie się siłą napędową filmu, balansującego pomiędzy thrillerem, komedią i kinem przygodowym. View oEmbed on the source website Drugą warstwę zwiastuna buduje imponująca realizacja. Dynamiczne sceny akcji przeplatają się z dialogami podkreślającymi komediowy charakter produkcji, a całość zachowuje tempo typowe dla wysokobudżetowych projektów Apple Original Films i Skydance. Materiał promocyjny sugeruje, że twórcy nie zamierzają rekonstruować zimnowojennej historii z dokumentalną powagą, lecz wykorzystują ją jako tło dla widowiska opartego na charyzmie aktorów i relacjach między bohaterami. Zobacz też: Tom Cruise jakiego jeszcze nie widzieliśmy! Zwiastun nowego filmu czterokrotnego zdobywcy Oscara wywołał burzę w sieci Marcin Dorociński z kolejną hollywoodzką rolą Jednym z najmocniejszych polskich akcentów produkcji jest udział Marcina Dorocińskiego, który wciela się w postać Alexandra Volkova. Choć zwiastun koncentruje się przede wszystkim na duecie Reynolds–Branagh, obecność polskiego aktora w międzynarodowej obsadzie stanowi kolejny etap jego konsekwentnie rozwijanej kariery poza krajem. W materiałach promocyjnych Dorociński wymieniany jest obok takich nazwisk jak Maria Bakalova i David Morse, co potwierdza rangę projektu oraz jego miejsce wśród najważniejszych premier Apple TV+ tego roku. Dla polskich widzów „Mayday” zapowiada się więc nie tylko jako atrakcyjna rozrywka, lecz także okazja do zobaczenia Dorocińskiego w kolejnej hollywoodzkiej produkcji u boku światowych gwiazd. Aktor od kilku lat systematycznie pojawia się w międzynarodowych projektach, a udział w filmie z Ryanem Reynoldsem i Kennethem Branaghem potwierdza jego coraz silniejszą pozycję na zagranicznym rynku. Zwiastun nie zdradza skali roli Volkova, ale już sama obecność aktora w oficjalnych materiałach promocyjnych podkreśla, że nie jest to epizod pozostający w cieniu głównych bohaterów. Dlaczego „Mayday” budzi tak duże oczekiwania? Entuzjazm wokół filmu wynika z kilku elementów, które zwiastun skutecznie eksponuje. Przede wszystkim uwagę przyciąga ekranowa chemia między Ryanem Reynoldsem i Kennethem Branaghem, duetem, którego trudno byłoby wcześniej przewidzieć w komedii osadzonej w realiach zimnej wojny. Twórcy zapowiadają historię opartą na przeciwieństwach: amerykański pilot i były agent KGB zostają zmuszeni do współpracy, a napięcie szpiegowskie miesza się z humorem oraz widowiskową akcją. To właśnie takie gatunkowe połączenie ma wyróżniać „Mayday” na tle klasycznych produkcji szpiegowskich. Nie bez znaczenia pozostają również kulisy powstania projektu. Zwiastun sugeruje kino nastawione na rozmach, humor i wyraziste postacie, ale jednocześnie pozostawia wystarczająco wiele tajemnic, by wzbudzić ciekawość przed wrześniową premierą. Dla polskiej publiczności dodatkowym powodem do śledzenia losów „Mayday” pozostaje Marcin Dorociński, aktor, który po raz kolejny zaznacza swoją obecność w jednej z największych międzynarodowych produkcji sezonu. Premiera filmu została wyznaczona na 4 września 2026 roku w serwisie Apple TV+. Zobacz też: Ten film zachwyci fanów Pedro Pascala. Zwiastun “Behemotha!" pokazuje inną twarz ulubieńca Hollywood
Ten film zachwyci fanów Pedro Pascala. Zwiastun “Behemotha!" pokazuje inną twarz ulubieńca Hollywood
Niektóre historie zaczynają się od jednego dźwięku. „Behemoth!” zapowiada kameralny dramat, w którym muzyka prowadzi bohatera przez przeszłość, a Pedro Pascal pokazuje zupełnie nowe aktorskie oblicze.
Czy muzyka potrafi opowiedzieć historię lepiej niż słowa? Wszystko wskazuje na to, że właśnie na tym założeniu Tony Gilroy oparł swój najnowszy film. Pierwsze zdjęcia i zwiastun zapowiadają kameralny, emocjonalny dramat o pamięci, sztuce i powrotach do miejsc, które ukształtowały człowieka. W centrum tej opowieści znajduje się Pedro Pascal, który w roli wybitnego wiolonczelisty mierzy się z jednym z największych aktorskich wyzwań swojej kariery. Tony Gilroy wraca z autorskim dramatem o muzyce i pamięci Po latach pracy przy projektach o dużej skali Tony Gilroy przygotował film, który zapowiada się jako jedno z najbardziej osobistych przedsięwzięć w jego dorobku. „Behemoth!” opowiada historię Alexa Seriana, wybitnego wiolonczelisty, który po 20 latach koncertowania wraca do Los Angeles, by komponować muzykę filmową. To właśnie powrót do rodzinnego miasta staje się początkiem podróży przez wspomnienia, relacje i pytania o to, czym naprawdę jest artystyczne dziedzictwo. Scenariusz i reżyserię powierzono Gilroyowi, a produkcją zajmuje się Searchlight Pictures. W centrum opowieści znajduje się muzyka, nie jako tło wydarzeń, lecz jako siła napędzająca narrację. Twórcy podkreślają, że film obejmuje 25 lat życia głównego bohatera, a kolejne utwory prowadzą widza przez różne etapy jego kariery i życia osobistego. Nietypowym rozwiązaniem jest również ścieżka dźwiękowa przygotowywana przez dziewięciu kompozytorów, ponieważ w świecie przedstawionym Alex tworzy muzykę do różnych fikcyjnych produkcji filmowych. To koncepcja, która już teraz wyróżnia „Behemoth!” na tle współczesnych dramatów muzycznych. Zobacz też: To już oficjalne! Mimo spekulacji, Tom Hardy powraca do roli w popularnym serialu Paramount+ Pedro Pascal jako Alex Serian Największe zainteresowanie budzi jednak Pedro Pascal, dla którego „Behemoth!” jest pierwszą pełnometrażową rolą pierwszoplanową. Aktor wciela się w Alexa Seriana, uzdolnionego wiolonczelistę próbującego odnaleźć swoje miejsce między światem muzyki klasycznej a Hollywood. Co ciekawe, postać była początkowo przygotowywana z myślą o Oscarze Isaacu, jednak ostatecznie to Pascal przekonał Tony'ego Gilroya swoją emocjonalną interpretacją bohatera. Sam aktor przyznaje, że spośród wszystkich dotychczasowych wyzwań właśnie nauka wiarygodnego grania na wiolonczeli była najtrudniejsza. W rozmowie z Vanity Fair stwierdził, że opanowanie ruchów muzyka i przekonujące wykonywanie utworów Czajkowskiego okazało się bardziej wymagające niż sceny akcji znane z jego wcześniejszych produkcji. To przygotowanie miało nadać postaci autentyczność, dzięki której widz uwierzy, że Alex rzeczywiście jest artystą żyjącym muzyką. Pierwsze materiały promocyjne Udostępnione pierwsze materiały promocyjne koncentrują się przede wszystkim na nastroju filmu. Zwiastun pokazuje samotnego bohatera wracającego do Los Angeles, fragmenty prób z wiolonczelą oraz relacje rodzinne i zawodowe, które wydają się odgrywać kluczową rolę w jego przemianie. Oficjalny opis zapowiada historię, w której muzyka, określona jako „stała, pochłaniająca rzeka jego życia”, prowadzi Alexa ku wydarzeniom zmieniającym go na zawsze. View oEmbed on the source website Obok Pascala w filmie występują między innymi Olivia Wilde, Eva Victor, Alexa Swinton, Kaya Ralls, Erik Griffin, JoBeth Williams, Margarita Levieva, Hank Azaria oraz Will Arnett. Już pierwsze materiały promocyjne sugerują, że „Behemoth!” nie będzie klasycznym dramatem biograficznym ani filmem muzycznym, lecz refleksyjną opowieścią o twórczości, rodzinie i pamięci, w której Pedro Pascal prezentuje zupełnie nowe oblicze swojego aktorstwa. Zobacz też: Film "Diabeł ubiera się u Prady 2" już wkrótce obejrzysz bez wychodzenia z domu! Znamy datę premiery
Tom Cruise jakiego jeszcze nie widzieliśmy! Zwiastun nowego filmu czterokrotnego zdobywcy Oscara wywołał burzę w sieci
Miesiące spekulacji dobiegły końca. Pierwszy zwiastun „Diggera” odsłania film, który od początku owiany był tajemnicą, i pokazuje Toma Cruise’a w zaskakującym wydaniu. To zapowiedź produkcji, która może na nowo zdefiniować ekranowy wizerunek jednej z największych gwiazd Hollywood.
Tom Cruise przez dekady budował ekranowy wizerunek nieustraszonego bohatera kina akcji, ale „Digger” zapowiada całkowite odwrócenie tego schematu. Pierwszy pełny zwiastun ujawnia aktora w zaskakującej charakteryzacji i roli ekscentrycznego magnata naftowego, stawiając w centrum nie widowiskowe popisy, lecz bezkompromisową metamorfozę. Nowy film Alejandro G. Iñárritu już na etapie pierwszych materiałów promocyjnych wzbudza ogromne emocje, obiecując połączenie czarnej komedii, dramatu i spektakularnego kina autorskiego. Metamorfoza, która zmienia sposób patrzenia na gwiazdę Pierwszy pełny zwiastun „Diggera” przynosi obraz Toma Cruise’a, jakiego widzowie dotąd nie znali. Aktor niemal całkowicie znika pod warstwą charakteryzacji, wcielając się w Diggera Rockwella, ekscentrycznego potentata naftowego, którego działania prowadzą świat na skraj ekologicznej i geopolitycznej katastrofy. Siwiejące włosy, wydatny brzuch, protezy twarzy i charakterystyczny południowy akcent sprawiają, że rozpoznanie hollywoodzkiej gwiazdy w pierwszych ujęciach staje się niemal niemożliwe. To nie efekt jednorazowego kostiumowego eksperymentu, lecz świadoma decyzja artystyczna, podporządkowana stworzeniu postaci od podstaw. Cruise podkreślał, że wygląd bohatera był efektem długiego procesu twórczego. Wspólnie z ekipą dopracowywał każdy detal, od makijażu i uzębienia po garderobę oraz sposób poruszania się. Aktor mówi o roli jako o jednym z największych wyzwań swojej ponad czterdziestopięcioletniej kariery, zaznaczając, że równie ważne jak fizyczna przemiana było odnalezienie odpowiedniego rytmu i energii postaci. Zwiastun sugeruje, że tym razem nie liczy się widowiskowa akcja, lecz pełna transformacja aktorska, która staje się głównym narzędziem opowiadania historii. Zobacz też: Film "Diabeł ubiera się u Prady 2" już wkrótce obejrzysz bez wychodzenia z domu! Znamy datę premiery Powrót meksykańskiego laureata Oscara Za kamerą stanął Alejandro González Iñárritu,czterokrotny laureat Oscara i twórca takich filmów jak „Birdman” czy „Zjawa”. „Digger” jest jego pierwszym anglojęzycznym filmem od czasu hitu z Leonardo DiCaprio, a sam reżyser przyznaje, że pomysł dojrzewał przez niemal dekadę. Efektem ma być produkcja łącząca czarną komedię, dramat i satyrę polityczną, w której osobista historia bohatera splata się z wizją globalnego kryzysu. Film opowiada o człowieku określanym jako „najpotężniejszy na świecie”, który desperacko próbuje udowodnić, że potrafi ocalić ludzkość przed katastrofą, do której sam się przyczynił. Pierwszy zwiastun buduje napięcie raczej obrazami niż wyjaśnieniami. Migawki topniejących lodowców, wizje nuklearnego konfliktu i groteskowe wystąpienia głównego bohatera składają się na opowieść balansującą między absurdem a dramatem. Taka konstrukcja zapowiedzi pozostawia wiele pytań bez odpowiedzi, jednocześnie podkreślając autorski charakter projektu. Zdjęcia zrealizowano w formacie VistaVision, a za kamerą stanął Emmanuel Lubezki, wieloletni współpracownik Iñárritu, co zapowiada spektakularną stronę wizualną filmu. Mocna obsada i zwiastun, który rozbudził ogromne oczekiwania Choć największą uwagę przyciąga przemiana Cruise’a, „Digger” opiera się na rozbudowanej obsadzie. Obok gwiazdora występują John Goodman, Sandra Hüller, Riz Ahmed, Jesse Plemons, Michael Stuhlbarg, Emma D’Arcy i Sophie Wilde. Zwiastun pokazuje jedynie fragmenty ich relacji z Diggerem Rockwellem, sugerując jednak, że każda z tych postaci będzie odgrywać istotną rolę w historii człowieka próbującego odzyskać kontrolę nad wydarzeniami wymykającymi się spod jego wpływu. View oEmbed on the source website Premierowy materiał promocyjny natychmiast wywołał szeroką dyskusję przede wszystkim za sprawą odważnej metamorfozy Cruise’a i nietypowego tonu filmu. Po latach kojarzenia aktora z widowiskami akcji „Digger” zapowiada się jako projekt, w którym pierwszoplanową rolę odgrywają charakter, ironia i aktorskie ryzyko. Jeśli zwiastun wiernie oddaje charakter całej produkcji, widzowie mogą spodziewać się jednego z najbardziej nieoczywistych filmów w dorobku zarówno Toma Cruise’a, jak i Alejandro G. Iñárritu, dzieła, które równie mocno stawia na spektakl wizualny, co na przewrotny komentarz dotyczący władzy, odpowiedzialności i ludzkiej pychy. Polska premiera została zapowiedziana na 2 października tego roku. Zobacz też: To już oficjalne! Mimo spekulacji, Tom Hardy powraca do roli w popularnym serialu Paramount+
Przez 50 lat kariery tworzył postaci, które na zawsze przeszły do historii kina. Przypominamy 5 najlepszych ról Sama Neilla
Sam Neill przez dekady zachwycał wszechstronnością, z równą swobodą odnajdując się w autorskim dramacie, psychologicznym horrorze i największych blockbusterach. Oto pięć ról, które najlepiej pokazują skalę jego talentu i na zawsze ugruntowały jego miejsce w filmowym panteonie.
Śmierć Sama Neilla zamyka jeden z najciekawszych rozdziałów współczesnego kina. Aktor, który potrafił równie przekonująco odnaleźć się w hollywoodzkich superprodukcjach, co w autorskim kinie europejskim, przez ponad pięć dekad tworzył bohaterów pełnych sprzeczności, cichych, inteligentnych, a jednocześnie skrywających emocje, które eksplodowały w najmniej spodziewanym momencie. Oto pięć ról, bez których trudno wyobrazić sobie jego niezwykłą filmografię. 1. „Opętanie” (1981), reż. Andrzej Żuławski To właśnie w „Opętaniu” Sam Neill udowodnił, że nie jest aktorem, który boi się emocjonalnych ekstremów. W jednym z najbardziej bezkompromisowych filmów Andrzeja Żuławskiego wcielił się w Marka, mężczyznę próbującego zrozumieć rozpad własnego małżeństwa. Z pozoru jest to historia o zdradzie i zazdrości, ale z każdą kolejną sceną zamienia się w hipnotyczny koszmar, w którym granica między psychologicznym dramatem a horrorem przestaje istnieć. Neill nie gra tutaj bohatera klasycznie tragicznego. Jego Mark jest rozrywany przez gniew, bezsilność i obsesję, a aktor prowadzi tę postać z niezwykłą intensywnością. W duecie z Isabelle Adjani stworzył ekranową relację, która do dziś pozostaje jedną z najbardziej elektryzujących w historii kina. To rola wymagająca całkowitego oddania i właśnie dlatego należy do najważniejszych osiągnięć w jego karierze. 2. „Obfitość” (1985), reż. Fred Schepisi Choć „Obfitość” nie jest tytułem najczęściej przywoływanym w kontekście filmografii Sama Neilla, doskonale pokazuje jego wyjątkową umiejętność budowania postaci poprzez subtelność. W ekranizacji sztuki Davida Hare'a partnerował Meryl Streep, nie próbując dominować nad ekranem, lecz świadomie pozostając emocjonalnym kontrapunktem dla jej bohaterki. Neill stworzył postać pełną elegancji i wewnętrznego spokoju, który zderza się z dramatycznymi doświadczeniami powojennej Europy. Zamiast efektownych scen otrzymujemy precyzyjnie odmierzone spojrzenia, pauzy i gesty. To właśnie w takich momentach ujawniał się jego niezwykły talent, potrafił opowiadać historię bez wielkich deklaracji, pozwalając widzowi samodzielnie odczytywać emocje ukryte pod powierzchnią. „Obfitość” pozostaje dowodem, że Neill był aktorem, który rozumiał siłę filmowego niedopowiedzenia. Zobacz też: To już oficjalne! Mimo spekulacji, Tom Hardy powraca do roli w popularnym serialu Paramount+ 3. „Park Jurajski” (1993), reż. Steven Spielberg Dla milionów widzów na całym świecie Sam Neill na zawsze pozostanie doktorem Alanem Grantem. „Park Jurajski” Stevena Spielberga uczynił go ikoną kina popularnego i twarzą jednej z najważniejszych franczyz w historii Hollywood. Trudno znaleźć aktora, który równie wiarygodnie potrafił połączyć naukową ciekawość z autentycznym przerażeniem wobec sił wymykających się ludzkiej kontroli. Neill zagrał paleontologa, który początkowo wydaje się człowiekiem chłodnym i zdystansowanym, lecz w obliczu katastrofy odkrywa w sobie odwagę oraz odpowiedzialność za innych. Dzięki jego naturalności spektakularne efekty specjalne nigdy nie przesłoniły ludzkiego wymiaru opowieści. Widz wierzył każdemu spojrzeniu kierowanemu na dinozaury i każdej decyzji podejmowanej w walce o przetrwanie. To właśnie ta rola uczyniła Sama Neilla rozpoznawalnym na wszystkich kontynentach i zapewniła mu miejsce w historii światowego kina. 4. „W paszczy szaleństwa” (1994), reż. John Carpenter John Carpenter znalazł w Samie Neillu idealnego przewodnika po świecie, w którym rzeczywistość rozpada się na oczach widza. W „W paszczy szaleństwa” aktor wciela się w Johna Trenta, sceptycznego detektywa ubezpieczeniowego, który stopniowo traci pewność, czy jeszcze bada sprawę, czy sam stał się jej częścią. To jedna z najbardziej fascynujących kreacji w dorobku Neilla. Z początku emanuje spokojem i zawodowym profesjonalizmem, lecz wraz z rozwojem fabuły jego twarz staje się mapą narastającego obłędu. Aktor z niezwykłą precyzją prowadzi bohatera od racjonalności do całkowitego rozpadu psychiki. Dzięki temu horror Carpentera nie działa wyłącznie jako opowieść o potworach i koszmarach, lecz przede wszystkim jako studium człowieka, który traci zaufanie do własnych zmysłów. To popis aktorstwa opartego na stopniowaniu napięcia. Zobacz też: Legenda francuskiej komedii doczeka się własnej biografii. Powstaje film o życiu Louisa de Funèsa! 5. „Dzikie łowy” (2016), reż. Taika Waititi Pod koniec kariery Sam Neill udowodnił, że równie znakomicie odnajduje się w kinie pełnym ciepła i humoru. W „Dzikich łowach” Taiki Waititiego stworzył postać Heca, zgorzkniałego samotnika, który niespodziewanie zostaje opiekunem zbuntowanego chłopca. Z tej nieoczywistej relacji rodzi się jedna z najpiękniejszych współczesnych opowieści o przyjaźni i odnajdywaniu rodziny. Neill unikał sentymentalizmu. Jego bohater jest szorstki, oszczędny w słowach i często sprawia wrażenie człowieka odgrodzonego od świata grubym murem. Tym większą siłę mają chwile, w których spod tej twardej skorupy przebija czułość i poczucie odpowiedzialności. Aktor pokazuje, że wielkie emocje nie zawsze wymagają wielkich gestów. To rola pełna dojrzałości i życiowej mądrości, będąca pięknym zwieńczeniem kariery artysty, który przez dziesięciolecia zachwycał swoją wszechstronnością.
Film "Diabeł ubiera się u Prady 2" już wkrótce obejrzysz bez wychodzenia z domu! Znamy datę premiery
Dobra wiadomość dla fanów filmu „Diabeł ubiera się u Prady”. Kontynuacja tego hitu, która jest jednym z największych hitów ostatnich tygodni, opuszcza sale kinowe. Teraz widzowie będą mogli ją obejrzeć bez wychodzenia z domu. Już 29 lipca „Diabeł ubiera się u Prady 2” trafi do biblioteki jednego z serwisów straemingowych.
Są filmy, które po premierze po prostu znikają z kinowych afiszy, i są takie, które na długo pozostają częścią popkultury. „Diabeł ubiera się u Prady 2” należy do tej drugiej kategorii. Kontynuacja jednego z najbardziej kultowych filmów o świecie mody ponownie wywołała dyskusje wśród krytyków i widzów, przywracając na ekran bohaterów, którzy przez lata stali się ikonami współczesnego kina. Teraz produkcja rozpoczyna kolejny etap swojej drogi, docierając do jeszcze szerszej publiczności. Powrót do świata „Runway” Nieczęsto zdarza się, by kontynuacja filmu sprzed blisko dwóch dekad budziła równie duże emocje, co oryginał. „Diabeł ubiera się u Prady 2” udowadnia jednak, że niektóre historie potrafią dojrzewać razem z widzami. Twórcy ponownie zapraszają do świata prestiżowego magazynu „Runway”, gdzie moda od zawsze była czymś więcej niż tylko ubraniami, stawała się symbolem władzy, ambicji i nieustannej walki o miejsce na szczycie. Za kamerą kontynuacji ponownie stanął David Frankel, a scenariusz napisała Aline Brosh McKenna. Na ekran powrócili Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt i Stanley Tucci, a obsadę uzupełnili m.in. Kenneth Branagh, Lucy Liu, Justin Theroux, Simone Ashley, B.J. Novak i Pauline Chalamet. Historia pokazuje Mirandę Priestly w świecie, który zmienił się równie mocno jak rynek mediów, podczas gdy Andy Sachs powraca jako doświadczona profesjonalistka, gotowa zmierzyć się z nowymi wyzwaniami. Zobacz też: Legenda francuskiej komedii doczeka się własnej biografii. Powstaje film o życiu Louisa de Funèsa! Światowy fenomen, który nie opiera się wyłącznie na nostalgii Siłą drugiej części okazał się nie tylko powrót uwielbianych bohaterów, ale przede wszystkim próba opowiedzenia ich historii na nowo. Film nie zamyka się w sentymentalnym wspominaniu pierwszej odsłony, lecz wykorzystuje znane postacie, by pokazać, jak zmieniły się współczesne media, branża modowa i samo pojęcie sukcesu. Dzięki temu sequel zachowuje charakterystyczny styl oryginału, jednocześnie zyskując własną tożsamość. Światowi krytycy zwracają uwagę przede wszystkim na ekranową chemię głównej obsady, inteligentne dialogi oraz eleganckie połączenie humoru z bardziej refleksyjnym spojrzeniem na przemijanie i zawodowe ambicje. Nie brakuje również opinii, że film najlepiej wypada wtedy, gdy odchodzi od prostego odwoływania się do nostalgii i skupia się na nowych konfliktach oraz współczesnych realiach funkcjonowania świata mody. To właśnie ten balans sprawił, że produkcja szybko stała się jednym z najgłośniej komentowanych filmów roku. „Diabeł ubiera się u Prady 2” - premiera w streamingu Fenomen tej serii od początku polegał na umiejętnym połączeniu błyskotliwej rozrywki z opowieścią o cenie sukcesu, zawodowych wyborach i relacjach międzyludzkich. Kontynuacja pozostaje wierna temu kierunkowi, jednocześnie rozwijając bohaterów, których widzowie poznali przed laty. Zachwyca dopracowaną stroną wizualną, modowymi kreacjami oraz atmosferą luksusu, ale równie dużo miejsca poświęca zmianom zachodzącym w świecie wydawnictw i mediów. View oEmbed on the source website Po kinowym sukcesie „Diabeł ubiera się u Prady 2” rozpoczyna kolejny etap swojej drogi. Od 29 lipca film będzie dostępny w bibliotece Disney+, dając szansę zarówno widzom, którzy przegapili premierę kinową, jak i fanom chcącym ponownie zanurzyć się w świecie magazynu „Runway”. To doskonała okazja aby przypomnieć sobie świat wielkiej mody, luksusu i bezwzględnej biurokracji, która zachwyciła widzów przed laty. Zobacz też: To już oficjalne! Mimo spekulacji, Tom Hardy powraca do roli w popularnym serialu Paramount+
To już oficjalne! Mimo spekulacji, Tom Hardy powraca do roli w popularnym serialu Paramount+
Tom Hardy ponownie wkroczy do świata „Strefy gangsterów”, a najnowszy teaser nie pozostawia w tej sprawie żadnych wątpliwości. Krótka zapowiedź zapowiada powrót do brutalnej gry o władzę, w której stawka będzie jeszcze wyższa niż wcześniej.
To już oficjalne, Tom Hardy powraca do „Strefy gangsterów”. Opublikowany teaser drugiego sezonu rozwiał wszelkie wątpliwości i potwierdził, że odtwórca roli Harry’ego Da Souzy ponownie stanie w centrum brutalnej walki o władzę. Wraz z nim wracają Helen Mirren i Pierce Brosnan, a twórcy zapowiadają jeszcze mroczniejszy rozdział gangsterskiej sagi, która po sukcesie pierwszego sezonu stała się jednym z największych serialowych hitów Paramount+. Powrót Harry’ego Da Souzy otwiera nowy rozdział Przez ostatnie tygodnie wokół „Strefy gangsterów” narosło więcej pytań niż odpowiedzi. Spekulacje dotyczące przyszłości Toma Hardy’ego, doniesienia o napięciach za kulisami i niepewność związana z kolejnymi odsłonami serialu sprawiły, że każda nowa informacja była śledzona z wyjątkową uwagą. Opublikowany przez Paramount+ teaser drugiego sezonu kończy jednak najważniejszą dyskusję, Harry Da Souza wraca. Tom Hardy ponownie staje na pierwszej linii konfliktu, a jego obecność staje się osią zapowiedzi nowych odcinków. Premiera została wyznaczona na 18 września, a krótka zapowiedź sugeruje historię jeszcze bardziej brutalną, gęstą od zdrad i rodzinnych rozgrywek niż dotychczas. Powrót Hardy’ego oznacza również ponowne spotkanie z imponującą obsadą. W nowych odcinkach zobaczymy Helen Mirren jako Maeve Harrigan i Pierce’a Brosnana w roli Conrada Harrigana, a także Paddy’ego Considine’a, Joanne Froggatt, Larę Pulver, Johnny’ego Flynna, Ophelię Lovibond, Janet McTeer czy Toby’ego Jonesa. Za serial odpowiadają Ronan Bennett i Jez Butterworth, natomiast Guy Ritchie pozostaje jednym z producentów wykonawczych i to właśnie jego charakterystyczna, dynamiczna estetyka w znacznym stopniu ukształtowała tożsamość produkcji. Drugi sezon ma ponownie skoncentrować się na rodzinie Harriganów, której przestępcze imperium staje w obliczu coraz większych zagrożeń zewnętrznych i narastających podziałów wewnętrznych. Zobacz też: Dwayne Johnson wyraźnie zmienia kierunek swojej kariery. Jego najnowszy film poruszy widzów na całym świecie Gangsterska opowieść, która zdobyła widzów Sukces „Strefy gangsterów” nie był dziełem przypadku. Serial połączył klasyczną opowieść o mafijnych rodzinach z nowoczesnym tempem narracji i wyrazistymi bohaterami, którzy funkcjonują na pograniczu lojalności, przemocy i rodzinnych zobowiązań. W centrum wydarzeń znalazł się Harry Da Souza, fixer, czyli człowiek rozwiązujący problemy tam, gdzie zawodzą negocjacje i prawo. To właśnie jego perspektywa pozwoliła widzom wejść do świata dwóch potężnych londyńskich rodzin przestępczych, których wojna o wpływy nie uznaje kompromisów. Popularność serialu przełożyła się również na wyniki oglądalności. Pierwszy sezon okazał się jednym z największych sukcesów platformy Paramount+, ustanawiając rekordy oglądalności i szybko budując wierną społeczność fanów. Nic więc dziwnego, że informacje o możliwym odejściu Toma Hardy’ego wywołały ogromne emocje. W kolejnych miesiącach pojawiały się liczne doniesienia o napięciach na planie, jednak teaser drugiego sezonu jednoznacznie potwierdził, że aktor pozostaje twarzą najbliższej odsłony serialu. Sam materiał promocyjny nie tylko eksponuje Hardy’ego, lecz także sugeruje, że Harry ponownie stanie przed zadaniem utrzymania w ryzach rozpadającego się przestępczego imperium. Nowa wojna Harriganów i kulisy oczekiwanego powrotu Teaser drugiego sezonu nie zdradza wszystkich fabularnych szczegółów, ale wyraźnie pokazuje kierunek opowieści. Harriganowie znajdują się na krawędzi wojny domowej, podczas gdy rywalizujące gangi dostrzegają ich słabość i próbują wykorzystać moment zawahania. Harry Da Souza ponownie zostaje postawiony w samym środku konfliktu, próbując utrzymać rodzinę razem mimo narastającej przemocy i coraz bardziej kruchych sojuszy. Twórcy zapowiadają eskalację napięcia, większą skalę starć i jeszcze bardziej bezwzględną walkę o władzę. View oEmbed on the source website Równolegle z premierą teasera odżyły także rozmowy o kulisach produkcji. Wcześniejsze medialne doniesienia sugerowały możliwość rozstania Hardy’ego z serialem w przyszłości, jednak obecne materiały promocyjne nie pozostawiają wątpliwości co do jego udziału w drugim sezonie. W centrum uwagi ponownie znajduje się nie tylko gangsterska intryga, lecz także magnetyczna ekranowa chemia Hardy’ego, Mirren i Brosnana, trójki aktorów, którzy stworzyli jedną z najmocniejszych telewizyjnych obsad ostatnich lat. Wszystko wskazuje na to, że „Strefa gangsterów” zamierza wykorzystać sukces pierwszego sezonu jako fundament dla jeszcze większej, bardziej intensywnej opowieści o rodzinie, zdradzie i cenie władzy. Zobacz też: Cały świat mówi o nominacjach do Emmy 2026. Wśród nich polskie nazwisko, które warto znać!
Legenda francuskiej komedii doczeka się własnej biografii. Powstaje film o życiu Louisa de Funèsa!
Za charakterystycznymi grymasami, niepowtarzalnym temperamentem i komediowym geniuszem kryła się historia, której widzowie nigdy nie poznali w pełni. Nadchodząca filmowa biografia Louisa de Funèsa ma po raz pierwszy pokazać aktora, zanim stał się legendą francuskiego kina.
Louis de Funès przez lata rozśmieszał miliony widzów, lecz jego prawdziwa historia pozostawała znacznie bardziej złożona niż bohaterowie, których kreował na ekranie. Francuzi po raz pierwszy opowiedzą ją w pełnometrażowej biografii fabularnej, koncentrując się na przełomowym momencie kariery aktora i człowieku ukrytym za wizerunkiem jednej z największych ikon europejskiej komedii. Nie legenda, lecz człowiek Przez dziesięciolecia Louis de Funès pozostawał uosobieniem francuskiej komedii, aktorem, którego charakterystyczna ekspresja, perfekcyjne wyczucie rytmu i niepowtarzalna energia uczyniły go jedną z największych ikon europejskiego kina. Paradoksalnie właśnie tak wyrazista postać przez lata nie doczekała się pełnometrażowej biografii fabularnej. Sytuacja zmieni się jednak za sprawą nowego projektu przygotowywanego we Francji, którego twórcy od początku podkreślają, że nie zamierzają realizować klasycznego filmu o narodzinach gwiazdy ani sentymentalnego hołdu dla ekranowej legendy. Ich ambicją jest stworzenie portretu człowieka ukrytego za powszechnie rozpoznawalnym wizerunkiem aktora, którego miliony widzów pokochały za role pełne komediowej brawury. Za produkcję odpowiada Romain Rojtman, natomiast reżyserii podjął się Benjamin Euvrard, współtworzący również scenariusz. W postać Louisa de Funèsa wcieli się Pierre Lottin, laureat tegorocznej nagrody Cezara za drugoplanową rolę w filmie „Obcy”. Sam wybór aktora nie jest przypadkowy, twórcy wielokrotnie podkreślali, że nie poszukujuą artysty zdolnego jedynie do wiernego odtworzenia charakterystycznych grymasów czy gestów słynnego komika. Zależało im przede wszystkim na kimś, kto będzie potrafił oddać jego temperament, wewnętrzne napięcia oraz emocje towarzyszące człowiekowi stojącemu u progu wielkiej kariery. Film ma więc opowiadać nie tyle o ekranowym fenomenie de Funèsa, ile o człowieku, który dopiero miał stać się legendą francuskiego kina. Zobacz też: Jeden post wystarczył by o tym projekcie mówiła cała Polska. Dorota Masłowska i Kasper Bajon współpracują nad filmem! Rok 1964 jako początek wielkiej legendy Scenariusz nie obejmuje całego życia aktora, lecz koncentruje się na jednym z najważniejszych okresów jego zawodowej drogi. Punktem wyjścia będzie rok 1964. moment, który całkowicie odmienił jego pozycję we francuskim kinie. To właśnie wtedy na ekrany trafiły filmy „Fantomas”, „Żandarm z Saint-Tropez”, „Gamoń” oraz „Koko”, a Louis de Funès z cenionego aktora drugiego planu błyskawicznie przeobraził się w jedną z największych gwiazd europejskiej komedii. Twórcy uznali ten etap za idealny punkt wyjścia do opowiedzenia historii o człowieku, który przez lata pozostawał w cieniu, by w stosunkowo późnym wieku osiągnąć spektakularny sukces. Producent projektu podkreśla, że film powstaje za zgodą rodziny aktora i ma być przede wszystkim próbą pokazania jego autentycznej osobowości. W zapowiedziach wielokrotnie powraca myśl, że niemal każdy widz pamięta filmowe role de Funèsa, lecz niewielu zna człowieka stojącego za ekranowym wizerunkiem. To właśnie dlatego scenariusz ma prowadzić widza przez wydarzenia, które ukształtowały aktora, zanim stał się jedną z najbardziej rozpoznawalnych twarzy francuskiego kina. Zdjęcia do filmu mają rozpocząć się w kwietniu 2027 roku i będą realizowane we Francji oraz we Włoszech. Portret pełen światła i cienia Zapowiadana biografia ma wyraźnie odcinać się od bezkrytycznych portretów wielkich gwiazd kina. Twórcy nie ukrywają, że zamierzają pokazać bohatera jako człowieka pełnego sprzeczności, którego prywatne życie znacząco odbiegało od pogodnego wizerunku utrwalonego przez komediowe role. Louis de Funès przez lata zmagał się z nerwicą, a jego perfekcjonizm z czasem coraz mocniej wpływał zarówno na atmosferę pracy na planach filmowych, jak i na relacje z najbliższymi. Wspomnienia jego syna Oliviera pokazują aktora jako człowieka niezwykle wymagającego, impulsywnego i bezkompromisowego, który nie tolerował zawodowych ustępstw i równie gwałtownie reagował również w życiu prywatnym. Równie skomplikowane były jego relacje osobiste, naznaczone trudnymi wyborami oraz długo utrzymywanymi romansami, które przez lata pozostawały poza zainteresowaniem opinii publicznej. Wszystkie te elementy mają stworzyć portret znacznie bardziej wielowymiarowy niż ten utrwalony przez kolejne pokolenia widzów. Nadchodzący film nie zapowiada się więc jako rekonstrukcja największych sukcesów jednej z ikon francuskiej komedii, lecz jako opowieść o człowieku, który za fasadą perfekcyjnie opanowanej komediowej ekspresji skrywał własne lęki, ambicje i wewnętrzne konflikty. Właśnie ta perspektywa sprawia, że biografia Louisa de Funèsa może stać się nie tylko filmem o narodzinach legendy, ale również dojrzałym portretem artysty, którego prawdziwa historia okazuje się znacznie bardziej złożona niż jego niezapomniane ekranowe role. Zobacz też: To jeden z najbardziej wyczekiwanych filmów roku. Zwiastun światowego hitu z Chalametem i Zendayą już w sieci!
Jeden post wystarczył by o tym projekcie mówiła cała Polska. Dorota Masłowska i Kasper Bajon współpracują nad filmem!
Czasem największe emocje wywołuje nie zwiastun, lecz jego brak. Jedna fotografia i dwa nazwiska wystarczyły, by wokół nowego projektu zaczęły pojawiać się pierwsze oczekiwania.
Niektóre filmowe historie zaczynają się od pierwszego klapsa. Inne – od jednego kadru, który bardziej prowokuje pytania, niż daje odpowiedzi. Tym razem wystarczyła fotografia scenariusza opublikowana w mediach społecznościowych, by zwrócić uwagę na projekt, o którym na razie wiadomo niewiele. Za tą dyskretną zapowiedzią stoją jednak dwa nazwiska, których twórcza wrażliwość każe uważnie śledzić każdy kolejny sygnał. Dorota Masłowska wraca do filmu Dorota Masłowska po raz kolejny kieruje swoją twórczość w stronę kina. Pisarka opublikowała na swoim profilu na Facebooku zdjęcie scenariusza filmu zatytułowanego roboczo „W aplikacji”, ujawniając, że pracuje nad nim wspólnie z Kasprem Bajonem. To niewielka, ale znacząca zapowiedź projektu, która natychmiast zwróciła uwagę odbiorców śledzących zarówno polską literaturę, jak i współczesne kino. Na razie twórcy nie zdradzają szczegółów dotyczących fabuły ani etapu realizacji, jednak sama informacja o rozpoczęciu prac wystarczyła, by rozbudzić wyobraźnię. Dorota Masłowska od ponad dwóch dekad pozostaje jedną z najważniejszych autorek współczesnej polskiej kultury. Laureatka Nagrody Nike za „Pawia królowej”, autorka przełomowej „Wojny polsko-ruskiej”, dramatów i felietonów, wielokrotnie udowadniała, że jej charakterystyczny język potrafi przekraczać granice literatury. Jej twórczość była już z powodzeniem adaptowana na potrzeby kina, a kolejne ekranizacje pokazały, że świat wykreowany przez Masłowską zachowuje swoją siłę również w obrazie. Zobacz też: To jeden z najbardziej wyczekiwanych filmów roku. Zwiastun światowego hitu z Chalametem i Zendayą już w sieci! Proza Masłowskiej i doświadczenie Bajona Z szerokiego dorobku pisarskiego Masłowskiej, dotychczas na ekran trafiły między innymi „Wojna polsko-ruska” w reżyserii Xawerego Żuławskiego oraz „Inni ludzie” Aleksandry Terpińskiej. Szczególnie ta druga produkcja potwierdziła, że specyficzny rytm dialogów, ironia i społeczne obserwacje obecne w twórczości Masłowskiej mogą znaleźć przekonującą filmową formę. Adaptacje jej prozy nie należą do najłatwiejszych przedsięwzięć, jednak każda z nich wnosiła do polskiego kina wyrazisty autorski charakter. Partnerem pisarki przy scenariuszu został Kasper Bajon, jeden z najbardziej cenionych polskich scenarzystów ostatnich lat. Autor scenariuszy do takich produkcji jak „Wielka woda”, „Rojst”, „Projekt UFO” czy „Heweliusz” zbudował opinię twórcy doskonale odnajdującego się zarówno w opowieściach historycznych, jak i współczesnych dramatach. Spotkanie jego doświadczenia konstrukcyjnego z literacką wyobraźnią Masłowskiej zapowiada projekt, który może okazać się jednym z najciekawszych polskich filmów rozwijanych obecnie na etapie scenariusza. Na razie tylko zapowiedź Fotografia scenariusza opublikowana przez Masłowską jest dziś jedynym oficjalnym materiałem dotyczącym produkcji filmu „W aplikacji”. Nie ujawniono obsady, reżysera ani planowanego terminu rozpoczęcia zdjęć. W czasach, gdy wiele produkcji buduje zainteresowanie stopniowo, taki gest ma wymiar symboliczny, pokazując moment narodzin filmu, zanim pojawią się pierwsze zdjęcia z planu czy zwiastuny. View oEmbed on the source website To właśnie ta oszczędność informacji sprawia, że wokół projektu narasta ciekawość. Twórczość Doroty Masłowskiej od lat wywołuje dyskusje i prowokuje do interpretacji, natomiast Kasper Bajon konsekwentnie udowadnia, że potrafi przekładać ambitne pomysły na angażujące scenariusze. Na kolejne materiały związane z „W aplikacji” przyjdzie jeszcze poczekać, ale już dziś wiadomo, że współpraca tych dwojga twórców będzie jednym z najciekawiej obserwowanych projektów rozwijających się w polskim kinie. Zobacz też: Cały świat mówi o nominacjach do Emmy 2026. Wśród nich polskie nazwisko, które warto znać!
Niespodziewany powrót Ali'ego G rozgrzał światowe media. Najnowszy film słynnego komika powstawał w ścisłej tajemnicy
Powrót jednej z najbardziej rozpoznawalnych postaci komediowych XXI wieku stał się faktem. Nowy film z Alim G przez długi czas pozostawał tajemnicą, a wokół produkcji wciąż więcej jest pytań niż odpowiedzi.
Niewiele komediowych postaci na stałe zapisało się w historii popkultury tak wyraźnie jak Ali G. Stworzony przez Sachę Barona Cohena bohater stał się symbolem bezkompromisowej satyry, prowokacyjnego humoru i błyskotliwej improwizacji, zdobywając miliony widzów na całym świecie. Po 20 latach od filmowego debiutu, Ali G niespodziewanie powraca, spełniając marzenia fanów kultowej satyry. Od telewizyjnej prowokacji do kinowego fenomenu Ali G to jedna z najbardziej charakterystycznych postaci komediowych stworzonych przez Sachę Barona Cohena. Bohater zadebiutował pod koniec lat 90. w brytyjskim programie „The 11 O'Clock Show”, by w krótkim czasie doczekać się własnego formatu, słynnego „Da Ali G Show”. Stylizowany na samozwańczego eksperta od kultury ulicznej, Ali G stał się narzędziem ostrej satyry społecznej, a improwizowane rozmowy z politykami, ekspertami i celebrytami przyniosły Baronowi Cohenowi międzynarodową rozpoznawalność. Popularność telewizyjnego bohatera zaowocowała produkcją pełnometrażowego filmu „Ali G Indahouse”, który trafił do kin w 2002 roku. Film wyreżyserował Mark Mylod, natomiast scenariusz powstał przy udziale Sachy Barona Cohena, Dana Mazera i Petera Baynhama. W obsadzie znaleźli się również Michael Gambon, Charles Dance, Kellie Bright oraz Martin Freeman. Fabuła opowiada o mieszkańcu fikcyjnego Staines, który przypadkiem zostaje wciągnięty w polityczną intrygę i niespodziewanie trafia do centrum wydarzeń na najwyższych szczeblach brytyjskiej władzy. Produkcja połączyła farsę z satyrą polityczną, pozostawiając głównemu bohaterowi przestrzeń do komentowania absurdów współczesnego świata. Zobacz też: Cały świat mówi o nominacjach do Emmy 2026. Wśród nich polskie nazwisko, które warto znać! Film, który powstał w tajemnicy Po ponad dwóch dekadach od premiery „Ali G Indahouse” media poinformowały, że Sacha Baron Cohen zakończył zdjęcia do nowego filmu z udziałem swojej kultowej postaci. Produkcja była realizowana w ścisłej tajemnicy, bez oficjalnych zapowiedzi i bez ujawniania szczegółów projektu. Według doniesień zdjęcia odbywały się między innymi w Oxfordshire oraz w Stanach Zjednoczonych, a prace nad filmem miały rozpocząć się jeszcze przed hollywoodzkimi strajkami w 2023 roku, które wpłynęły na harmonogram realizacji. Twórcy nie ujawnili dotąd ani oficjalnego tytułu, fabuły, ani też daty premiery. Przedstawiciele Sachy Barona Cohena konsekwentnie odmawiają komentarzy, podtrzymując atmosferę tajemnicy wokół projektu. Taki sposób pracy nie jest jednak przypadkowy, podobną strategię stosowano wcześniej przy filmach z Boratem czy Brüno, gdzie dyskrecja stanowiła element procesu twórczego i pozwalała zachować autentyczność wielu realizowanych scen. Fenomen Ali G i jego miejsce w historii komedii Siła Ali'ego G od początku wynikała z połączenia prowokacji z inteligentną obserwacją społeczną. Baron Cohen stworzył bohatera, który dzięki pozornej naiwności potrafił wydobywać z rozmówców reakcje niemożliwe do osiągnięcia w tradycyjnych wywiadach. Charakterystyczny język, wyrazisty wizerunek i improwizowany styl prowadzenia rozmów sprawiły, że postać szybko stała się jednym z symboli brytyjskiej komedii początku XXI wieku, a jej wpływ widoczny jest również w późniejszych projektach aktora. View oEmbed on the source website Informacja o powrocie Ali'ego G natychmiast wzbudziła zainteresowanie mediów i widzów, którzy od lat zastanawiali się, czy Baron Cohen ponownie wcieli się w swoją najsłynniejszą kreację. Choć o nowym filmie wciąż wiadomo niewiele, sam fakt ukończenia zdjęć potwierdza, że jedna z najbardziej rozpoznawalnych postaci współczesnej satyry powróci na ekrany. Dla wielu odbiorców jest to nie tylko zapowiedź kolejnej komedii, lecz także powrót bohatera, który na trwałe zapisał się w historii kina i telewizji. Zobacz też: To jeden z najbardziej wyczekiwanych filmów roku. Zwiastun światowego hitu z Chalametem i Zendayą już w sieci!
To jeden z najbardziej wyczekiwanych filmów roku. Zwiastun światowego hitu z Chalametem i Zendayą już w sieci!
Kilkadziesiąt sekund nowego zwiastuna wystarczyło, by rozpalić wyobraźnię fanów na całym świecie i ponownie skierować ich wzrok na Arrakis. „Diuna: Część trzecia” zapowiada powrót do świata, w którym każda decyzja ma swoją cenę, a przeznaczenie nie pozostawia miejsca na przypadek.
Są zwiastuny, które jedynie zapowiadają premierę, i są takie, które natychmiast stają się wydarzeniem. Nowe materiały z „Diuny: Część trzecia” należą właśnie do tej drugiej kategorii. Denis Villeneuve ponownie zaprasza widzów na Arrakis, odsłaniając fragmenty widowiska, które ma domknąć jedną z najbardziej spektakularnych trylogii współczesnego kina science fiction. Powrót Paula Atrydy, Chani i znanych bohaterów, nowe twarze w obsadzie oraz zapowiedź jeszcze większej skali konfliktu sprawiają, że oczekiwania wobec filmu sięgają najwyższego poziomu. Powrót na Arrakis i nowy rozdział sagi Nowy zwiastun „Diuny: Część trzecia” nie pozostawia wątpliwości, że Denis Villeneuve zamierza domknąć swoją filmową opowieść z rozmachem godnym jednej z najważniejszych serii science fiction XXI wieku. Zapowiedź ponownie przenosi widzów na Arrakis, gdzie los Paula Atrydy splata się z konsekwencjami decyzji podjętych w poprzednich częściach. W centrum historii pozostają Timothée Chalamet jako Paul oraz Zendaya w roli Chani, a zwiastun sugeruje, że ich relacja stanie się równie istotna jak polityczne i religijne napięcia rozdzierające imperium. Za kamerą ponownie stanął Denis Villeneuve, współtwórca scenariusza wraz z Jonem Spaihtsem. W obsadzie, obok powracających gwiazd, znaleźli się między innymi Florence Pugh, Rebecca Ferguson, Anya Taylor-Joy, Jason Momoa oraz Robert Pattinson, którego Scytale ma odegrać kluczową rolę w nowym konflikcie. Produkcja opiera się na twórczości Franka Herberta i rozwija wydarzenia po „Diunie: Część druga”, prowadząc historię Paula ku kolejnemu etapowi jego przeznaczenia. Zobacz też: Dwayne Johnson wyraźnie zmienia kierunek swojej kariery. Jego najnowszy film poruszy widzów na całym świecie Fenomen, który zmienił współczesne kino science fiction Trylogia Villeneuve’a od początku zachwycała rozmachem realizacyjnym, monumentalnymi zdjęciami i konsekwentnym budowaniem świata, w którym widowiskowość nigdy nie przesłania emocji bohaterów. „Diuna” stała się przykładem kina, które łączy artystyczne ambicje z komercyjnym rozmachem, przywracając wysokobudżetowemu science fiction rangę wydarzenia filmowego. Nic więc dziwnego, że każda nowa zapowiedź wywołuje ogromne zainteresowanie zarówno fanów prozy Herberta, jak i widzów, którzy poznali Arrakis dopiero dzięki ekranizacjom. Najnowszy zwiastun stawia przede wszystkim na atmosferę i skalę. Monumentalne pustynne krajobrazy, potężne maszyny, imponujące sceny bitewne oraz sugestywne dialogi budują poczucie nadciągającego przesilenia. Materiał promocyjny nie zdradza wszystkich fabularnych tropów, ale wyraźnie sygnalizuje, że Paul będzie musiał zmierzyć się z nowymi przeciwnikami, a stawka konfliktu wykracza daleko poza los jednej planety. To właśnie umiejętność budowania napięcia bez nadmiernego odsłaniania fabuły sprawia, że zwiastun wzmacnia oczekiwania wobec premiery. Kulisy produkcji i oczekiwanie na wielki finał Realizacja filmu trwała od lipca do grudnia 2025 roku, a zdjęcia powstawały między innymi w Budapeszcie oraz w oazie Liwa w Zjednoczonych Emiratach Arabskich. Za zdjęcia tym razem odpowiada Linus Sandgren, który zastąpił Greiga Frasera. Zmiana operatora należy do najciekawszych kulis produkcji, choć wszystko wskazuje na to, że charakterystyczny, monumentalny styl wizualny pozostanie znakiem rozpoznawczym całej serii. View oEmbed on the source website Premiera „Diuny: Część trzecia” została wyznaczona na 18 grudnia 2026 roku w Polsce, a nowy zwiastun tylko podsyca atmosferę oczekiwania. Dla jednych będzie to zwieńczenie jednej z najbardziej imponujących ekranizacji współczesnego kina, dla innych, kolejna podróż na Arrakis, gdzie wielkie idee, polityka i osobiste dramaty spotykają się w widowisku o wyjątkowej skali. Jeśli zapowiedź jest zapowiedzią tego, co zobaczymy na ekranie, finał trylogii Denisa Villeneuve’a ma wszelkie szanse stać się jednym z najważniejszych filmowych wydarzeń roku. Zobacz też: Największy przystojniak Hollywood doceniony na prestiżowym festiwalu. Takiej nagrody George Clooney nie zdobył jeszcze nigdy
Cały świat mówi o nominacjach do Emmy 2026. Wśród nich polskie nazwisko, które warto znać!
W świecie seriali właśnie rozpoczął się najważniejszy wyścig roku. Tegoroczne nominacje do nagród Emmy przyniosły spektakularne rekordy, kilka głośnych zaskoczeń i nazwiska, o których w najbliższych tygodniach będzie mówił cały telewizyjny świat.
To ten moment w roku, gdy telewizja zamienia się w arenę największych emocji. Ogłoszenie nominacji do nagród Emmy wyznacza początek wyścigu o najważniejsze wyróżnienia amerykańskiego małego ekranu i pokazuje, które seriale oraz kreacje aktorskie zdominowały ostatnie miesiące. W tegorocznej edycji nie zabrakło rekordów, niespodzianek i mocnego polskiego akcentu, który sprawia, że gala 78. Emmy będzie śledzona z jeszcze większym zainteresowaniem. Emmy 2026: „The Pitt”, „Hacks” i polski ślad Karoliny Wydry Amerykańska Akademia Telewizyjna ogłosiła nominacje do 78. edycji nagród Emmy, otwierając sezon wielkiej rywalizacji najgłośniejszych produkcji ostatnich miesięcy. Najmocniej wybrzmiały „The Pitt” z 25 nominacjami oraz „Hacks” z 24 nominacjami, a tuż za nimi znalazły się „Wdowia zatoka” z 19 nominacjami i „Pluribus” z 18 nominacjami. Tegoroczna stawka pokazuje telewizję efektowną, różnorodną i pełną tytułów, które już teraz aspirują do miana najważniejszych opowieści sezonu. Osobny rozdział tej historii należy do Karoliny Wydry. Aktorka otrzymała nominację w kategorii najlepsza aktorka drugoplanowa w serialu dramatycznym za rolę w „Jedynej”, stając się jednym z najważniejszych polskich akcentów Emmy 2026. Wśród nazwisk światowej telewizji jej obecność ma szczególną wagę, to moment, w którym polski ślad wyraźnie pojawia się w centrum amerykańskiego sezonu nagród. Zobacz też: Zapomnijcie o filmie "Rocky". Zwiastun serialu o Muhammadzie Ali pokazuje, jak opowiadać o legendach boksu. To będzie hit Najlepszy serial dramatyczny „Dyplomatka” „Pozłacany wiek” „Rycerz Siedmiu Królestw” „Paradise” „The Pitt” „Jedyna” „Kulawe konie” „Znajomi i sąsiedzi” Najlepszy serial komediowy „Misja: Podstawówka” „The Bear” „Hacks” „Margo jest spłukana” „Nikt tego nie chce” „Zbrodnie po sąsiedzku” „Terapia bez trzymanki” „Wdowia zatoka” Najlepszy serial limitowany lub antologia „To jej wina” „Bestia we mnie” „Awantura” „Chętni na seks” „Love Story: John F. Kennedy Jr. and Carolyn Bessette” Najlepszy film telewizyjny „Sojusznicy” „Miss You, Love You” „Ludzie, których spotykamy na wakacjach” „Niezwykle szlachetne stworzenia” „Jack Ryan Toma Clancy'ego: Wojna duchów” Najlepsza aktorka pierwszoplanowa w serialu dramatycznym Carrie Coon — „Pozłacany wiek” Chase Infiniti — „Testamenty” Keri Russell — „Dyplomatka” Rhea Seehorn — „Jedyna” Zendaya — „Euforia” Najlepszy aktor pierwszoplanowy w serialu dramatycznym Sterling K. Brown — „Paradise” Gary Oldman — „Kulawe konie” Mark Ruffalo — „Grupa zadaniowa” Rufus Sewell — „Dyplomatka” Noah Wyle — „The Pitt” Najlepsza aktorka drugoplanowa w serialu dramatycznym Taylor Dearden — „The Pitt” Fiona Dourif — „The Pitt” Allison Janney — „Dyplomatka” Katherine LaNasa — „The Pitt” Sepideh Moafi — „The Pitt” Julianne Nicholson — „Paradise” Karolina Wydra — „Jedyna” Najlepszy aktor drugoplanowy w serialu dramatycznym Patrick Ball — „The Pitt” Billy Crudup — „The Morning Show” Shawn Hatosy — „The Pitt” Gerran Howell — „The Pitt” Jack Lowden — „Kulawe konie” Tom Pelphrey — „Grupa zadaniowa” Carlos-Manuel Vesga — „Jedyna” Najlepsza aktorka pierwszoplanowa w serialu komediowym Quinta Brunson — „Misja: Podstawówka” Ayo Edebiri — „The Bear” Elle Fanning — „Margo jest spłukana” Lisa Kudrow — „Wielki powrót” Jean Smart — „Hacks” Najlepszy aktor pierwszoplanowy w serialu komediowym Yahya Abdul-Mateen II — „Wonder Man” Steve Carell — „Rooster” Matthew Rhys — „Wdowia zatoka” Jason Segel — „Terapia bez trzymanki” Martin Short — „Zbrodnie po sąsiedzku” Najlepsza aktorka drugoplanowa w serialu komediowym Dale Dickey — „Wdowia zatoka” Hannah Einbinder — „Hacks” Janelle James — „Misja: Podstawówka” Kate O’Flynn — „Wdowia zatoka” Michelle Pfeiffer — „Margo jest spłukana” Megan Stalter — „Hacks” Jessica Williams — „Terapia bez trzymanki” Najlepszy aktor drugoplanowy w serialu komediowym Colman Domingo — „Cztery pory roku” Paul W. Downs — „Hacks” Harrison Ford — „Terapia bez trzymanki” Nick Offerman — „Margo jest spłukana” Stephen Root — „Wdowia zatoka” Michael Urie — „Terapia bez trzymanki” Tyler James Williams — „Misja: Podstawówka” Najlepsza aktorka pierwszoplanowa w serialu limitowanym, antologii lub filmie telewizyjnym Claire Danes — „Bestia we mnie” Sally Field — „Niezwykle szlachetne stworzenia” Carey Mulligan — „Awantura” Sarah Pidgeon — „Love Story: John F. Kennedy Jr. and Carolyn Bessette” Sarah Snook — „To jej wina” Najlepszy aktor pierwszoplanowy w serialu limitowanym, antologii lub filmie telewizyjnym Riz Ahmed — „Bait” Jason Bateman — „Black Rabbit” Charlie Hunnam — „Potwór: historia Eda Geina” Oscar Isaac — „Beef” Matthew Rhys — „Bestia we mnie” Najlepsza aktorka drugoplanowa w serialu limitowanym, antologii lub filmie telewizyjnym Linda Cardellini — „Chętni na seks” Dakota Fanning — „To jej wina” Laurie Metcalf — „Potwór: Historia Eda Geina” Joy Sunday — „Chętni na seks” Yuh-Jung Youn — „Awantura” Constance Zimmer — „Love Story: John F. Kennedy Jr. and Carolyn Bessette” Najlepszy aktor drugoplanowy w serialu limitowanym, antologii lub filmie telewizyjnym Jason Bateman — „Chętni na seks” Richard Gadd — „Półbrat” David Harbour — „Chętni na seks” Richard Jenkins — „Chętni na seks” Charles Melton — „Awantura” Nick Offerman — „Śmierć od pioruna” Najlepszy gościnny występ w serialu dramatycznym — aktor Colman Domingo — „Euforia” Ernest Harden Jr. — „The Pitt” Jeff Kober — „The Pitt” Jeff Hiller — „Jedyna” Jonathan Pryce — „Kulawe konie” Bradley Whitford — „Dyplomatka” Najlepszy gościnny występ w serialu dramatycznym — aktorka Brittany Allen — „The Pitt” Tal Anderson — „The Pitt” Tina Ivlev — „The Pitt” Miriam Shor — „Jedyna” Merritt Wever — „Pozłacany wiek” Shailene Woodley — „Paradise” Najlepszy gościnny występ w serialu komediowym — aktor Michael J. Fox — „Terapia bez trzymanki” Brett Goldstein — „Terapia bez trzymanki” Hamish Linklater — „Wdowia zatoka” Christopher McDonald — „Hacks” Rob Reiner — „The Bear” Connor Storrie — „Saturday Night Live” Najlepszy gościnny występ w serialu komediowym — aktorka Leslie Bibb — „Hacks” Cherry Jones — „Hacks” Laurie Metcalf — „Hacks” Kaitlin Olson — „Hacks” Lauren Weedman — „Hacks” Betty Gilpin — „Wdowia zatoka” Jamie Lee Curtis — „The Bear” Najlepszy program typu variety series „The Daily Show” „Jimmy Kimmel Live!” „Last Week Tonight With John Oliver” „The Late Show With Stephen Colbert” „Saturday Night Live” Najlepszy program reality competition „Dancing With the Stars” „RuPaul’s Drag Race” „Survivor” „Top Chef” „The Traitors” Zobacz też: Dwayne Johnson wyraźnie zmienia kierunek swojej kariery. Jego najnowszy film poruszy widzów na całym świecie
Dwayne Johnson wyraźnie zmienia kierunek swojej kariery. Jego najnowszy film poruszy widzów na całym świecie
Jeszcze niedawno był twarzą największych widowisk akcji. Dziś wybiera historie, w których najważniejsze stają się emocje, pamięć i wewnętrzna walka bohatera. „Free Byrd” może okazać się kolejnym przełomem w karierze Dwayne’a Johnsona.
Jeszcze kilka lat temu trudno było wyobrazić sobie Dwayne’a Johnsona poza światem efektownych blockbusterów i kina akcji. Dziś hollywoodzki gwiazdor konsekwentnie udowadnia, że interesują go role wymagające znacznie więcej niż fizycznej charyzmy. „Free Byrd” zapowiada się nie tylko jako poruszający dramat o pamięci, przemijaniu i odkupieniu, lecz także jako ważny rozdział w jednej z najbardziej zaskakujących aktorskich przemian ostatnich lat. Od ekranowego herosa do aktora dramatycznego Jeszcze do niedawna Dwayne Johnson pozostawał symbolem współczesnego kina widowiskowego, gwiazdą, której ekranowa obecność kojarzyła się z siłą, humorem i spektaklem. Ostatnie lata pokazują jednak wyraźną zmianę artystycznych ambicji aktora. Punktem zwrotnym okazał się dramat biograficzny Benny'ego Safdie „The Smashing Machine”, za który Johnson otrzymał nominację do Złotego Globu, udowadniając, że potrafi przekroczyć własny wizerunek i odnaleźć się w rolach wymagających psychologicznej precyzji. Teraz ten kierunek kontynuuje „Free Byrd”, projekt, który zapowiada się jako kolejny etap świadomej transformacji jego kariery. Nowy film reżyseruje Greg Kwedar, twórca cenionego „Sing Sing”, który wraz z Michaelem Schwartzem i Tylerem Nilsonem odpowiada również za scenariusz . Za produkcję stoją Artists Equity Bena Afflecka i Matta Damona, a także Seven Bucks Productions należące do Johnsona. „Free Byrd” opowiada historię legendarnego motocyklisty-kaskadera, którego życie zostaje naznaczone postępującą demencją. Bohater wyrusza w emocjonalną podróż, próbując odnaleźć utracone wspomnienia, pojednać się z przeszłością i odbudować relacje z bliskimi. To opowieść o pamięci, odkupieniu i godności, daleka od schematów kina akcji, z którymi nazwisko Johnsona było dotąd najczęściej kojarzone. Zobacz też: Największy przystojniak Hollywood doceniony na prestiżowym festiwalu. Takiej nagrody George Clooney nie zdobył jeszcze nigdy Greg Kwedar, Artists Equity i film, który stawia na emocje Zaangażowanie Grega Kwedara nie jest przypadkiem. Reżyser konsekwentnie buduje filmografię skupioną na bohaterach stojących wobec moralnych i emocjonalnych prób. „Free Byrd” wpisuje się w tę estetykę, proponując kameralny dramat zamiast widowiskowej akcji. Projekt powstaje pod szyldem Artists Equity, studia założonego przez Bena Afflecka i Matta Damona, którego celem jest wspieranie twórców oraz budowanie filmów opartych na silnych historiach i autorskiej wizji. To właśnie taki model produkcji stworzył przestrzeń dla kolejnej nieoczywistej roli Johnsona. Kulisy projektu pokazują również zmianę sposobu myślenia samego aktora. Johnson nie ogranicza się do udziału przed kamerą, poprzez Seven Bucks Productions współtworzy przedsięwzięcie od strony producenckiej. Wybór historii o człowieku zmagającym się z demencją wskazuje na zainteresowanie tematami znacznie bardziej intymnymi niż te, które dominowały w jego wcześniejszych blockbusterach. Twórcy zapowiadają film oparty na emocjach, relacjach i doświadczeniu utraty, a nie na efektownych scenach akcji. Dwayne Johnson – świadoma zmiana kierunku kariery Kariera Dwayne’a Johnsona przez lata rozwijała się w rytmie wielkich franczyz i wysokobudżetowych produkcji. Popularność zdobyta jako „The Rock”, a następnie sukcesy w kinie komercyjnym uczyniły z niego jedną z największych gwiazd Hollywood. W ostatnim czasie aktor coraz wyraźniej pokazuje jednak, że zależy mu także na uznaniu krytyków i rolach wymagających głębokiej przemiany. Nominacja do Złotego Globu za „The Smashing Machine” stała się symbolicznym potwierdzeniem tej artystycznej ewolucji. „Free Byrd” wydaje się naturalnym rozwinięciem tego procesu. Zamiast kolejnego niezniszczalnego bohatera Johnson wciela się w człowieka walczącego z chorobą i własną pamięcią. To kreacja oparta na kruchości, emocjonalnym ciężarze i wewnętrznym konflikcie. Właśnie dlatego film budzi tak duże zainteresowanie, nie tylko jako nowa produkcja z udziałem jednej z największych gwiazd kina, lecz także jako kolejny dowód, że Johnson świadomie redefiniuje swoją ekranową tożsamość, wybierając historie, które stawiają na człowieka, a nie spektakl. Zobacz też: Zapomnijcie o filmie "Rocky". Zwiastun serialu o Muhammadzie Ali pokazuje, jak opowiadać o legendach boksu. To będzie hit
Nowe Horyzonty ponownie zaproszą widzów do Wrocławia. Oto wszystko, co warto wiedzieć przed startem festiwalu
Zanim zgasną światła na pierwszym seansie, w powietrzu czuć już atmosferę jednego z najważniejszych świąt kina autorskiego w Europie. Nowe Horyzonty wracają do Wrocławia już w tym miesiącu!
Nie wszystkie festiwale opowiadają o kinie w ten sam sposób. Są wydarzenia, które prezentują najgłośniejsze premiery sezonu, i są Nowe Horyzonty, miejsce, gdzie film staje się doświadczeniem, rozmową i odkrywaniem nowych perspektyw. Już po raz 26. Wrocław zaprosi widzów na kilkanaście dni spotkań z najodważniejszym współczesnym kinem, premierami z całego świata oraz twórcami, którzy nie boją się przekraczać granic wyobraźni. To święto dla wszystkich, którzy w filmie szukają czegoś więcej niż rozrywki. Festiwal, który od lat wyznacza kierunek światowemu kinu autorskiemu Między 23 lipca a 2 sierpnia 2026 roku Wrocław ponownie zamieni się w przestrzeń intensywnych filmowych odkryć. 26. Międzynarodowy Festiwal Filmowy TAURON Nowe Horyzonty zgromadzi twórców, krytyków i widzów poszukujących kina odważnego, formalnie niepokornego i wymykającego się gatunkowym schematom. Część internetowa wydarzenia potrwa do 9 sierpnia, dzięki czemu festiwalowe emocje wyjdą daleko poza sale kinowe. View oEmbed on the source website Tegoroczną edycję otworzy „Fiord” Cristiana Mungiu, nagoradzony w Cannes film, który już przed premierą wzbudził ogromne zainteresowanie i został wybrany na inaugurację festiwalu. To symboliczny wybór, doskonale wpisujący się w filozofię Nowych Horyzontów, pokazywania kina, które nie szuka łatwych odpowiedzi, lecz zaprasza widza do doświadczenia, interpretacji i emocjonalnego dialogu. Organizatorzy zapowiadają program pełen premier z najważniejszych światowych festiwali oraz produkcji, które w najbliższych miesiącach będą wyznaczać kierunek rozmów o współczesnym kinie. Zobacz też: Największy przystojniak Hollywood doceniony na prestiżowym festiwalu. Takiej nagrody George Clooney nie zdobył jeszcze nigdy Program pełen premier, mistrzów i filmowych odkryć Program tegorocznej edycji imponuje rozmachem. Na uczestników czeka 283 filmy z 92 krajów, w tym 43 polskie produkcje i koprodukcje, prezentowane podczas setek pokazów w Kinie Nowe Horyzonty, Dolnośląskim Centrum Filmowym, na wrocławskim Rynku oraz w przestrzeni OPT Zamek w Leśnicy. To jednak znacznie więcej niż repertuar, festiwal od lat buduje własny język opowiadania o kinie poprzez autorskie sekcje, retrospektywy, spotkania i wydarzenia specjalne. W programie znalazły się między innymi Międzynarodowy Konkurs Nowe Horyzonty, Pokazy Galowe, sekcje Mistrzynie, Mistrzowie, Odkrycia, Fale, Smart7, a także retrospektywy poświęcone twórczości Marie Kreutzer, Márty Mészáros, Ulrike Ottinger i Łukasza Rondudy. Obok projekcji zaplanowano masterclassy, wystawy, koncerty oraz wydarzenia Klubu Festiwalowego w Arsenale, który od lat stanowi nieformalną przestrzeń spotkań twórców i publiczności. Wieczorne rozmowy o filmach często okazują się tam równie inspirujące jak same seanse. Historia Nowych Horyzontów i kulisy wydarzenia Siła Nowych Horyzontów nie wynika wyłącznie z programu, to festiwal z własną historią i rozpoznawalną tożsamością. Powstał z inicjatywy Romana Gutka, pierwsza edycja odbyła się w 2001 roku w Sanoku, następnie wydarzenie przeniosło się do Cieszyna, by od 2006 roku na stałe związać się z Wrocławiem. Od początku jego ideą było promowanie kina autorskiego, eksperymentującego z formą i narracją, często wyprzedzającego światowe trendy. Dziś Nowe Horyzonty należą do najważniejszych wydarzeń filmowych w Europie Środkowej. Co roku przyciągają tysiące widzów oraz setki gości z całego świata, a Wrocław na kilkanaście dni staje się miejscem nieustannej rozmowy o sztuce filmowej. Kulisy festiwalu tworzą nie tylko projekcje, lecz także spotkania z twórcami, branżowe dyskusje, przestrzenie sztuk wizualnych, koncerty oraz atmosfera miasta żyjącego kinem od rana do późnej nocy. To właśnie ta wyjątkowa mieszanka premier, odkryć i intelektualnej ciekawości sprawia, że dla wielu miłośników filmu Nowe Horyzonty pozostają czymś znacznie więcej niż festiwalem, są corocznym świętem kina, które odważnie patrzy poza horyzont. Sprzedaż biletów na wydarzenie rusza już jutro, w dniu 9-ego lipca. Zobacz też: Zapomnijcie o filmie "Rocky". Zwiastun serialu o Muhammadzie Ali pokazuje, jak opowiadać o legendach boksu. To będzie hit